Engadina Calling

Stile Antico, Media vita (Harmonia Mundi, 2010)

2012-01-24T22:02:00.004Z

Mi affascina molto, l'avrete capito, il fatto che di alcuni tra i massimi compositori della early music sappiamo molto poco. Qualche giorno fa abbiamo parlato di monsieur de Sainte-Colombe, del quale nemmeno conosciamo piu' il nome di battesimo.

Anche di John Sheppard, l'autore di una raccolta di composizioni religiose intitolata Media vita, non conosciamo molto. Fu corista, prima qui a Londra, presso la Cattedrale di San Paolo, e poi a Oxford. Piu' o meno e' tutto qui quello che si sa di questo geniale compositore di musica corale polifonica.

Del resto, anche di questo abbiamo gia' parlato sia qui che alla radio, la early music ha vissuto un lungo, lunghissimo oblio attraverso i secoli, e solo negli ultimi anni stiamo riscoprendo raccolte che spesso (come nel caso di Sheppard) non furono mai pubblicate, e sopravvissero nei secoli solo in forma di manoscritti.

L'altra cosa che mi affascina e' il fatto che musica che arriva da tempi cosi' lontani sappia instaurare, con estrema naturalezza, un dialogo emotivo vivissimo con il sentire contemporaneo. Con la nostra, molto contemporanea, ricerca di senso e direzione.

Media vita e' una riflessione sulla fragilita' e finitezza della nostra vita. E sulla nostra umanissima aspirazione alla salvezza, attraverso una coraggiosa assunzione di responsabilita'.

Al di la' della loro affascinante complessita' (provate a comparare le polifonie di Sheppard a quelle di Tallis, e vi renderete conto di quante piu' linee corali disgiunte e apparentemente fuori sincrono Sheppard introduceva nelle sue composizioni: forse per questo ci sembrano cosi' moderne... non vi ricordano a tratti il primo Philip Glass, che la early music deve averla conosciuta molto bene quando scrisse Music with changing parts e Music in twelve parts?), non possiamo restare indifferenti alla estrema solarita' di queste composizioni.

E' musica luminosa quella di Sheppard, una celebrazione della magia della vita.

Qui a Londra, dove l'interesse per la early music e' fortunatamente molto vivo, ci sono due cori che regolarmente eseguono Sheppard. I Sixteen del maestro Harry Christophers (che sono soliti registrare i loro dischi in una chiesa a due passi da dove vi sto scrivendo e che sono attualmente impegnati nella pubblicazione del repertorio di Palestrina). E Stile Antico, che invece stanno a Belsize Park (e, colpevolmente, non sono ancora andato a sentire: ma intendo rimediare presto).

Vi propongo qui un responsorio che, e' una promessa, ascolteremo insieme presto anche a Prospettive Musicali.

A Filetta, Requiem (Deda, 2011)

2012-01-20T23:59:00.002Z

Di A Filetta (che vuol dire la felce, nell'idioma parlato in Corsica) ho scritto qui in Engadina abbastanza recentemente, e li abbiamo ascoltati a Prospettive Musicali quando vi presentai il loro progetto realizzato con il trombettista sardo Paolo Fresu e con il fisarmonicista marchigiano Daniele Di Bonaventura.

Questo Requiem, evoca fin dal titolo il ricordo di chi non c'e' piu'. Contiene venticinque composizioni corali polifoniche, scritte per essere eseguite nel momento dell'ultimo saluto a chi ha lasciato questa vita. In quanto tali, sono certamente composizioni meditative, che esprimono una profonda, sentita religiosita' e la fiducia nella sopravvivenza della nostra anima, capace di trascendere la vita terrena e proiettarsi nell'eternita'.

Come abbiamo avuto gia' modo di osservare insieme, per A Filetta la tradizione e' una materia viva. Che merita certamente rispetto, ma che viene invitata a dialogare con il presente. E con altre tradizioni corali: sarda, ellenica, georgiana.

Quella di A Filetta e' musica che evoca spazi aperti, mare, scogliere a picco, paesaggi spazzati dal vento, bruciati dal sole, bagnati da una rigenerante pioggia.

Un altro capolavoro: forse meno sperimentale rispetto a Mistico Mediterraneo, ma non meno coinvolgente. Musica altra, per anime contemplative.

Wieland Kuijken/ Jordi Savall, Sieur de Sainte-Colombe: Concerts a' deux violes esgales (Alia Vox, 2011)

2012-01-16T22:44:00.005Z

Sapete gia', se ascoltate Prospettive Musicali, che la Alia Vox (etichetta della quale non smettero' mai di suggerire l'ascolto di questa superlativa raccolta) ha in corso di ripubblicazione il lascito discografico eccezionale di Jordi Savall: una settantina di dischi, fondamentali per comprendere la musica antica e la sua contemporanea riscoperta e rinascita.

(Anzi, e' un po' che ci penso: posso suggerire di non chiamarla piu' musica antica, come si fa in Italia, ma di adottare la definizione che si usa qui, early music? O se volete proprio usare la nostra lingua: musica delle origini. Antico sa di vecchio, e invece la early music e' di una contemporaneita' che lascia esterrefatti).

Piano piano, seguendo questa corrente di ristampe, la libreria davanti a me si sta popolando di concerti meditativi e silenziosi, masterizzati con infinita cura per ogni dettaglio. Se mi posso permettere di introdurre un'osservazione personale, mi sto convincendo, ristampa dopo ristampa, che questo corpus musicale sia il punto di arrivo definitivo del mio percorso di ricerca. Ho trovato quello che nella musica ho sempre cercato. La early music e' il mio santo Graal.

Per esempio, questo primo volume di concerti composti sul finire del diciassettesimo secolo da monsieur de Sainte-Colombe e' di una bellezza che non saprei proprio come iniziare a descrivere. Lo svolgimento libero, l'introduzione di dissonanze e di movimenti imprevedibili, i repentini cambiamenti di tono e umore, la profonda leggerezza di queste musiche generano uno stato emotivo indescrivibile, che e' insieme meditativo, sereno, gioioso. Bisogna farne esperienza per capire, perche' altrimenti non e' nemmeno uno stato immaginabile.

Di monsieur de Sainte-Colombe sappiamo pochissimo. Non ne conosciamo neanche il nome. Sappiamo che fu il maestro di un altro grandissimo autore di musiche per viola da gamba, quel Marin Marais al quale sono legatissimo perche' fu il primo compositore di early music al quale mi appassionai (dopo averne letto su il Manifesto, ricordo, e averlo sentito trasmesso dal competentissimo Arturo Stalteri di RAI Radio 3). Quello che Tous les matins du monde di Corneau racconta a proposito di monsieur de Sainte-Colombe, infatti, e' largamente inventato.

Ci resta la sua musica, espressione di un cuore che si lasciava trasportare, senza opporre resistenza alcuna, dal sentimento, dalla nostalgia, dal ricordo, dall'amore, dalla natura.

Musica crepuscolare, elegiaca, silenziosa. Molto semplicemente: la piu' emozionante musica che sia stata composta dall'uomo, nella sua millenaria storia.

Guardate cos'ho trovato per voi. Niente meno che tutto il primo volume di questa doppia raccolta (la cui incisione risale al 1976).

Giovanna Pessi/ Susanna Wallumrod, If grief could wait (ECM, 2011)

2012-01-14T00:41:00.003Z

Ascoltando questo disco in una notte invernale, capisco istintivamente per quale ragione Will Oldham non penso' nemmeno un istante quando gli chiesi chi stima piu' di tutti tra i musicisti suoi contemporanei. Susanna Wallumrod, mi disse.

Lo capisco, non solo per la sensibilita', il rispetto, la profondita' e l'understatement tipicamente nordico con i quali l'affascinante cantante norvegese affronta il repertorio di Leonard Cohen e Nick Drake, ma anche per il modo nel quale la sua fragile e purissima voce sa fondersi con le note della giovane arpista svizzera Giovanna Pessi quando insieme interpretano con infinita grazia composizioni di epoca barocca.

Giovanna Pessi che abbiamo sentito a Prospettive Musicali qualche tempo fa, magari qualcuno di voi si ricorda: la sua arpa e' presente nel progetto Diminuito del nostro amatissimo Rolf Lislevand e su Fabula suite Lugano di Christian Wallumrod, il pianista fratello di Susanna.

Paradossalmente (ma neanche tanto, dato che Cohen e Drake sono certamente stati a loro volta ispirati dal repertorio antico e classico, barocco e romantico), quasi non si avverte la dimensione tempo. Al contrario, nonostante si affrontino periodi diversi il disco vive di grande continuita', di cambiamenti atmosferici quasi impercettibili. A sottolineare il fatto che la poesia di Cohen e Drake non appartiene a un'epoca storica, a uno stile definito. E' classica. E' eterna come eterni sono l'amore, la gioia, il dolore.

Al disco partecipano anche il suonatore di nyckelharpa Marco Ambrosini e la violista Jane Achtman.

In una delle prime sessioni, hanno scelto di suonare insieme una delle canzoni piu' belle di Leonard Cohen, Who by fire. Il testo di Who by fire non venne scritto da Cohen, ma e' una preghiera che gli ebrei sono soliti recitare durante le celebrazioni dello Yom-Kippur.

Sentite che meraviglia diventa nell'interpretazione di questo ensemble, e poi procuratevi una copia di If grief could wait. E' un disco che cresce ad ogni ascolto. Struggente, magica poesia per queste lunghe notti invernali. Prometto che lo ascolteremo approfonditamente a Prospettive Musicali, nel mio ritorno di febbraio.

Sinikka Langeland, Maria's song (ECM, 2009)

2012-01-11T23:48:00.004Z

Ringrazio Gigi Longo di Prospettive Musicali per avermi passato una copia di questa inconsueta raccolta che, chissa' perche', non attrasse la mia attenzione quando venne pubblicata, tre anni fa.

Se avete ascoltato l'ultima puntata del programma, ricorderete che sentendo insieme i misteriosi, inclassificabili, sfuggenti (e per questo straordinariamente interessanti) Batagraf, abbiamo parlato di ridefinizione, attraverso l'espansione dei confini, della tradizione folk. Una ricerca che oggi viene portata avanti soprattutto da musicisti del Nord Europa (pensate, oltre che a Jon Balke, a Trygve Seim, Markku Ounaskari, Arve Henriksen, Ketil Bjornstad, Andreas Utnem: tutti nomi che abbiamo ascoltato tante volte insieme e che dovrebbero essere ormai molto familiari agli ascoltatori del nostro programma).

Sinikka Langeland e' una cantante norvegese con radici classiche. Suona il kantele (una specie di arpa orizzontale appartenente alla tradizione nordica, specialmente a quella finlandese). In questo suo dodicesimo album affronta la tradizione folklorica di matrice religiosa, in particolare gli inni dedicati a Maria all'interno della tradizione cristiana contadina. Canti eseguiti durante le celebrazioni liturgiche di Natale, di Pasqua, della Pentecoste, ispirati dal Vangelo di Luca (soprattutto dagli episodi dell'annunciazione e della nascita di Gesu').

A intercalare queste canzoni devozionali di impianto popolare, ha scelto di inserire nel suo disco composizioni di Johann Sebastian Bach, eseguite all'organo (quello del Nidarosdomen di Trondheim) e alla viola, che traggono ispirazione dagli stessi episodi narrati da Luca.

E' un disco molto interessante, soprattutto se desiderate approfondire il dialogo tra tradizioni musicali devozionali: capaci di esprimere, pur se con forme diverse, una religiosita' altrettanto sentita e profonda.

In rete ho trovato un bel video di Sinikka Langeland, che si esibisce alla televisione norvegese con il saxofonista Trygve Seim, il batterista Markku Ounaskari e il contrabbassista Anders Jormin. Eccolo.

Liz Carroll & John Doyle, Double play (Compass, 2009)

2012-01-09T22:35:00.005Z

Buon anno, cari amici!

Ho iniziato questo 2012 ascoltando tanta rasserenante musica celtica. Soprattutto questo irresistibile dischetto che vi ho presentato qualche settimana fa a Prospettive Musicali, i due album finora pubblicati dai Caladh Nua, uno migliore dell'altro, e una raccolta di gighe irlandesi suonate impeccabilmente alla chitarra acustica e al violino da due tra i migliori musicisti del panorama folk contemporaneo.

Questo Double play venne pubblicato, qualche anno fa, da un'etichetta di Nashville specializzata soprattutto in bluegrass e il cui catalogo e' ricchissimo di delizie. Se amate suoni acustici e naturali, la Compass vedrete che diventera' anche per voi un punto di riferimento come lo e' per me.

Non ci sono grandi sorprese in un album come questo, semplicemente solide interpretazioni di una tradizione che profuma di spazi aperti, scogliere ventose, mare che ruggisce.

Musica benevola e uplifting quella celtica, anche quando i suoi toni si fanno un po' malinconici e nostalgici. Avvolge come un caldo maglione di lana di Aran e fa venire voglia di tornare in Irlanda, non appena le giornate si allungheranno un po'.

Il disco piacque molto niente meno che al presidente Barack Obama, che invito' i suoi due autori a suonare per lui alla Casa Bianca...

Prospettive Musicali dell'8 gennaio 2012

2012-01-08T00:01:00.006Z

1) BATAGRAF
Everyday music
da Say and play
(ECM, 2011)

2) RETO BIERI
Contrechant - epilog
da Contrechant
(ECM New Series, 2011)

3) LISA SMIRNOVA
Suite no. 8 F minor HWV 433 allegro
da Georg Friedrich Handel die acht grossen suiten
(ECM New Series, 2011)

4) M. ABDUL GANI, M. HAJA MAIDEEN & S. SABUR MAIDEEN
The saint
da VV. AA. Sufi Music
(Music Rough Guides/ World Music Network, 2011)

5) BATAGRAF
Calmly
da Say and play
(ECM, 2011)

6) CHAVELA VARGAS
Tu me acostumbraste
da VV. AA. Music from and inspired by the motion picture Babel
(Condord, 2006)

7) KEITH JARRETT
Part III
da Rio
(ECM, 2011)

8) JOHN SURMAN
The pilgrim's way
da The amazing adventures of Simon Simon
(ECM, 1981)

9) ANDREW MCCORMACK & JASON YARDE
D-town
da Places and other spaces
(Edition, 2011).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Anteprima Prospettive Musicali

2012-01-04T00:01:00.000Z

Anche questa domenica tocchera' a me condurre Prospettive Musicali.

Ascolteremo insieme alcune tracce dal secondo disco dei Batagraf, proseguiremo nell'ascolto delle suite per clavicembalo di Georg Friedrich Handel, e sentiremo un brano della cantante costaricana Chavela Vargas.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Conduzione musicale del 2 gennaio 2012

2012-01-02T21:47:00.006Z

1) JUANA MOLINA
Solo su voz
da Tres Cosas
(Domino, 2002)

2) LOS PAPACITOS
Jazzy
da VV. AA. Panama! 2 latin sounds, cumbia tropical & calypso funk on the isthmus 1967 - 77
(Soundway, 2009)

3) LAUREL AITKEN
Nebuchadnezzar
da Jamaica-mento 1951 - 1958
(Fremeaux & Associes, 2010)

4) SIR JABLONSKY
Juck juck pt. 1
da VV. AA. Panama! 2 latin sounds, cumbia tropical & calypso funk on the isthmus 1967 - 77
(Soundway, 2009)

5) SAMBA TOURE'
Dani dou
da Crocodile blues
(World Music Network, 2011)

6) SYRAN MBENZA & ENSEMBLE RUMBA KONGO
Matinda
da VV. AA. African guitar legends
(Music Rough Guides/ World Music Network, 2011)

7) AMINA ALAOUI
Buscate en mi, var.
da Arco iris
(ECM, 2011)

8) LA COLOMBINA
Senex puerum portabat - in purificatione beatae Mariae
da Tomas Luis de Victoria ad vesperas
(K617, 2008)

9) ACCENTUS, ERIC ERICSON
Tuuti lasta tuonelahan
da North
(Naive, 2005)

10) ACCENTUS, ERIC ERICSON
O crux
da North
(Naive, 2005)

11) LESZEK MOZDZER
Nocturne op. 15 no. 1 fa majeur
da Impressions on Chopin
(Naive, 1999)

12) ANDRAS SCHIFF
Klaviersonate fis-moll III scherzo e intermezzo. Allegrissimo - lento
da Robert Schumann geistervariationen
(ECM New Series, 2011)

13) ALEXANDER LONQUICH
Kreisleriana V sehr lebhaft
da Robert Schumann/ Heinz Holliger
(ECM New Series, 2011)

14) KETIL BJORNSTAD & SVANTE HENRYSO N
Serene
da Night song
(ECM, 2011)

15) PAL MODDI KNUTSEN
Poetry
da Floriography
(Impeller, 2010)

16) ONEIDA VS. KONONO NO. 1
Nombre 1!
da VV. AA. Tradi-mods vs. rockers
(Crammed discs, 2010)

17) EARTH WIND & FIRE
September
da VV. AA. Music from and inspired by the motion picture Babel
(Concord, 2006)

18) FATBOY SLI M
The joker
da VV. AA. Music from and inspired by the motion picture Babel
(Concord, 2006).

Ascolta.

Conduzione musicale andata in onda alle 21 su Radio Popolare, FM 107.6.

Prospettive Musicali del I gennaio 2012

2012-01-01T00:01:00.007Z

1) LISA SMIRNOVA
Suite no. 2 F major HVW 427 adagio
da Georg Friedrich Handel die acht grossen suiten
(ECM New Series, 2011)

2) CALADH NUA
Miss Susan Coopers
da Next stop
(Caladh Nua, 2011)

3) DR. STRANGELY STRANGE
Ballad of the wasps
da Heavy petting
(Vertigo, 1970)

4) KEITH JARRETT
Part II
da Rio
(ECM, 2011)

5) LISA SMIRNOVA
Suite no. 2 F major HVW 427 adagio, allegro
da Georg Friedrich Handel die acht grossen suiten
(ECM New Series, 2011)

6) AMY DICKSON RPO MIKEL TOMS
Violin concerto II
da Amy Dickson RPO Mikel Toms
(RCA, 2009)

7) ARMONICO CONSORT
Salve Regina
da Naked Byrd two
(Signum Classics, 2011)

8) JOHN SURMAN
Nestor's saga
da The amazing adventures of Simon Simon
(ECM, 1981)

9) JOHN SURMAN
The buccaneers
da The amazing adventures of Simon Simon
(ECM, 1981).

Ascolta.

Appuntamento a domani sera alle 21 per una conduzione musicale di un'ora e mezza.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Anteprima Prospettive Musicali

2011-12-28T00:01:00.003Z

Questa domenica, il I gennaio, sara' il mio turno di condurre Prospettive Musicali. Ascolteremo insieme musiche di Philip Glass, Georg Friedrich Handel, e un brano dei Dr. Strangely Strange, la risposta irlandese alla Incredible String Band.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Natale

2011-12-22T12:12:00.005Z

Ho girato il quartiere trascinato dal cane senza accorgermi quasi del Natale che arriva. Se non per qualche filo di luci intermittenti arrotolato intorno ai balconi o al corrimano delle scale di ingresso.

Qua e là un Babbo Natale aggrappato al muro. Non si capisce bene se in fuga oppure in arrivo. Orrendi. Li brucerei tutti.

[...]

Perché c'è poco da festeggiare e da celebrare. Con la crisi che incombe, il lavoro incerto, i redditi a rischio, il futuro corto e angoscioso.

[...]

Perché ormai è sempre Natale e Natale è, da troppo tempo, un giorno come gli altri. Neppure più una festa consumista, visto che il consumo è rito quotidiano e per questo non può stupire. Ci siamo assuefatti.

[...]

Poche luci, pochi alberi di Natale e pochi presepi. Poca attesa e poca emozione. Per dirla con Spinoza: è l'epoca delle passioni tristi. Ma forse "passioni" è una parola fin troppo forte. Come la "tristezza".

Anche parlare di "epoca" pare esagerato. Più che un'epoca: un periodo. Un giorno come altri. Neppure tanto triste. Neppure tanto buio. Ma grigio. Qualche luce intermittente e un Babbo Natale dimenticato sul muro dietro casa.

- Ilvo Diamanti, Sillabario dei tempi tristi

Batagraf, Say and play (ECM, 2011)

2011-12-20T12:07:00.007Z

I Batagraf di Jon Balke sono una formazione davvero misteriosa. In teoria, la sovrapposizione di jazz nordico e ritmi del mondo (africani, centro-americani, arabi), alla quale a sua volta viene aggiunta la recitazione di poesie, suonerebbe quanto meno stucchevole.

E invece per qualche ragione che non so spiegare, dopo un po' di sconcerto iniziale, questa acrobatica fusione di culture riesce a conquistare: musica mai ascoltata prima, e non e' cosa da poco. Al limite, l'unico riferimento che viene in mente puo' essere la filosofia quartomondista di Jon Hassell (con il quale il percussionista dei Batagraf, Helge Andreas Norbakken, collaboro' in passato).

A funzionare e' proprio l'incontro tra ritmo e parola. Parola che si fa ritmo, come in altri ambiti hanno fatto i Last Poets (altro riferimento possibile, adesso che ci penso). Flusso di coscienza che incontra il fluire ritmico dei tamburi.

Prendetevi un po' di tempo, e leggetevi la traduzione delle belle liriche recitate dal poeta norvegese Torgeir Rebolledo Pedersen, che alterna la propria voce a quella delicata di Emilie Stoesen Christensen (la figlia del batterista Jon Christensen, colonna ritmica del jazz norvegese). Parlano di nuvole, vento, stagioni.

La traccia del disco che preferisco e' questa Everyday music.

Trasmettere a tutti quella gioia

2011-12-18T11:28:00.003Z

In Bach, i giovani sentono una spiritualità che non possono trovare né in Mozart né in Beethoven. Ogni sua battuta è piena di spirito divino. In Bach non c’è egoismo, Bach non mette se stesso al centro, questo piace molto ai giovani.

Non dice "io sono importante": Bach serve Dio, come nel Medioevo i grandi costruttori di cattedrali, rimasti sovente anonimi. In Bach i giovani avvertono poi il senso della comunità, l’essere parte di qualcosa di più grande.

In Bach la ritualità esiste, non viene elusa, ma il rito nella sua musica è qualcosa di non-dogmatico: il Gloria della Messa in si minore è leggero come una danza. In Bach sacro e profano si intrecciano.

Nessun altro compositore realizza una simile unità: pensiamo alla Variazione XXV delle "Goldberg", così dolente: una musica che potrebbe benissimo figurare nella "Passione secondo Matteo".

Quando è gioioso, in Bach sentiamo la voglia di trasmettere a tutti quella gioia.

- Andras Schiff, Corriere della Sera

Lisa Smirnova, Georg Friedrich Handel Die acht grossen suiten (ECM New Series, 2011)

2011-12-14T23:32:00.008Z

Per la prima volta in dieci anni, Alessandro, Gigi e io abbiamo deciso che a fine 2011 non ci vedremo per la consueta puntata di Prospettive Musicali dedicata ai dischi dell'anno. La ragione e' pratica: Gigi sara' in giro per il vasto mondo, io mi fermero' a Milano solo un paio di sere e una la devo gia' passare in radio a registrare una puntata che sentirete in gennaio.

Ma c'e' anche un'altra ragione. Se penso alle musiche che mi ricorderanno nei prossimi tempi questo 2011, mi vengono in mente tre dischi nessuno dei quali e' uscito quest'anno. Le poesie di Walt Whitman, William Blake e Henry Vaughan recitate e musicate dal bardo scozzese Robin Williamson (che uscirono nel 2002). Un volume di composizioni barocche italiane, spagnole e tedesche, interpretate dal collettivo di cornettisti e trombonisti londinesi His Majestys Sagbutts and Cornetts (pubblicato nel 1996). E un disco di sinfonie e concerti di Tomaso Albinoni, eseguiti dall'Insieme Strumentale di Roma (uscito nel 2006). Tre dischi che sono stati la colonna sonora di un bel viaggio sui monti della Toscana che restera' nella memoria ancora per molto tempo. I miei dischi dell'anno sono questi tre.

Se poi fosse proprio necessario invece scegliere un disco pubblicato nel 2011, allora credo che la mia preferenza cadrebbe su questa esecuzione delle 8 suite per clavicembalo di Handel, che proprio qui a Londra vennero composte durante la prima meta' del 1700. A interpretarle impeccabilmente e' la pianista russa Lisa Smirnova (anche lei molto legata a questa citta': e' stata allieva di Robert Levin).

Di Handel si ascoltano spesso le opere, gli oratori, ecc. Ma a mio parere (e devo ancora ascoltare molto, quindi prendete questa opinione per quello che vale) la sua musica composta per il clavicembalo solo possiede caratteristiche di piu' spiccata modernita', quella stessa modernita' che abbiamo spesso evidenziato parlando di suoi contemporanei come Bach e Biber.

In rete ho trovato questa magnifica esecuzione degli ultimi 2 movimenti della seconda suite, forse quella che preferisco delle otto, suonata dal pianista americano Garrick Ohlsson.

Keith Jarrett, Rio (ECM, 2011)

2011-12-13T22:35:00.003Z

L'anno scorso, come qualche affezionato ascoltatore di Prospettive Musicali forse ricordera', rimasi per un po' di tempo letteralmente ossessionato da Jasmine, collaborazione tra Keith Jarrett e Charlie Haden.

Una sera mentre lo stavo trasmettendo mi arrivo' in studio l'SMS di un ascoltatore che diceva semplicemente: non so come possa piacerti Keith Jarrett. Non so cosa intendesse esattamente, se cioe' stesse affermando che non comprendeva come a me possa piacere Jarrett, oppure genericamente che non capiva le ragioni del succcesso del pianista americano.

Non ho mai risposto a quell'ascoltatore, dato che quando sono in studio non riesco a rispondere agli SMS che arrivano sul computer davanti a me, e finita la trasmissione esco in tutta fretta e corro a prendere l'ultima metropolitana. E il giorno dopo mi sono gia' dimenticato.

Ma insomma, la risposta e' questa: mi piace Jarrett perche' ascoltarlo mi permette di ripercorrere la storia della musica, piu' o meno da Johann Sebastian Bach a Cecil Taylor, passando per Handel, Schumann, Rachmaninov, Gurdjeff, Bartok, Cage, Monk, Evans.

Questo superlativo concerto (uno dei suoi sette del 2011), registrato il 9 aprile al Teatro Municipale di Rio de Janeiro, rende quello che ho appena scritto evidentissimo: il dialogo tra momenti storici e stilistici diversi si stempera in qualcosa di molto personale, eppure pieno di citazioni che e' un piacere riconoscere.

Mi piace specialmente l'inizio, cosi' spiazzante, senza tracce di melodia. E poi la seconda traccia, con quel suo vagare astratto e atmosferico, senza meta. Ma mi emoziono anche quando Jarrett sembra abbandonarsi ai ricordi, e le note si muovono su percorsi jazz piu' tradizionali e poetici.

In rete ho trovato una specie di trailer, che raccoglie alcuni momenti salienti di questo memorabile doppio (tra le sue cose migliori, come hanno osservato tanti prima di me). Non rende giustizia della complessita' di questo concerto, ma se ancora non vi siete procurati Rio, un'idea consente di farsela:

John Surman, The amazing adventures of Simon Simon (ECM, 1981)

2011-12-08T22:59:00.004Z

Sono passati trent'anni dalla pubblicazione di quello che considero il lavoro piu' visionario del saxofonista britannico John Surman, e uno dei capisaldi del catalogo ECM.

The amazing adventures of Simon Simon porta a pieno compimento la fusione tra improv jazz e utilizzo del sintetizzatore, suonato come base sonora alla quale vengono progressivamente (avverbio non scelto a caso) sovrapposti intricati overdubbing di sax soprano, baritono e clarinetto basso.

La batteria di Jack DeJohnette anziche' tenere ritmi aggiunge dinamiche suggerite, percorrendo impreviste strade oblique.

Le avventure di Simon Simon si aprono con una delle tracce piu' memorabili del jazz spirituale e progressivo degli anni '70 e '80, quella Nestor's saga che e' rinnovamento, estasi assoluta, ascesa al cielo.

Interrompete qualsiasi cosa state facendo, almeno per una decina di minuti: chiudete gli occhi e immergetevi in questo suono purissimo.

Armonico Consort, Naked Byrd two (Signum Classics, 2011)

2011-12-01T16:30:00.008Z

Riascoltando l'ultima puntata di Prospettive Musicali, mi sono stupito a constatare di avere scelto solo musica strumentale. E allora fatemi rimediare qui, dedicando il primo post di dicembre a un disco di musica corale, stimulated by overpowering feelings and potent sentiments that have the power to move and inspire the listeners, come leggo sul retro-copertina.

Armonico Consort e' un coro britannico relativamente giovane, ha da poco festeggiato il decennale, certamente meno noto rispetto ai nostri amatissimi (e vicini di casa) Sixteen e all'Hilliard Ensemble, formazioni che abbiamo ascoltato spesso insieme a Prospettive Musicali.

Il loro repertorio spazia tra composizioni antiche (Hildegard von Bingen, Thomas Tallis, Henry Purcell, Tomas Luis de Victoria) e contemporanee (Samuel Barber, John Tavener), interpretate con straordinario calore. E' questo un disco che genera un bel dialogo tra musiche scritte a mille anni di distanza.

La qualita' della registrazione e' eccellente, sono nel mio soggiorno ma mi sembra di essere in una cattedrale gotica.

Le tracce che preferisco: un'avvolgente Salve Regina composta attorno alla meta' dell'XXI secolo dal monaco benedettino Hermann Contractus, una bella interpretazione del celeberrimo Agnus Dei dall'Adagio per archi di Samuel Barber, un requiem composto da John Tavener sul finire dello scorso secolo e, modernissima, una composizione di Jonathan Roberts (componente dell'Armonico Consort, neanche trentenne), musicata su un testo di William Blake.

Mi piacerebbe farvi ascoltare la loro versione dell'Agnus Dei di Barber, ma in rete non la trovo. Pero' ne ho trovato un'eccellente interpretazione eseguita da un altro coro che amo particolarmente, e che vi proposi in questa puntata, i giovani francesi Accentus. Suggerisco di ascoltare quella: il video che l'accompagna mi piace molto.

Prospettive Musicali del 27 novembre 2011

2011-11-27T00:01:00.006Z

La musica e' la risonanza dell'Universo, i suoi palpiti, il suo respiro ed anche la voce delle sue forme.

E' al di sopra e al di la' di ogni epoca eppure - questo e' il suo miracolo misterioso - riesce ad esprimere le epoche, i luoghi, il passaggio del tempo in modo piu' appropriato di qualsiasi altra manifestazione dell'uomo e della natura.

- Eugenio Scalfari, Per l'alto mare aperto

1) RETO BIERI
Lied
da Contrechant
(ECM New Series, 2011)

2) WESSELTOFT SCHWARTZ DUO
Dreaming
da Wesseltoft Schwartz Duo
(Jazzland, 2011)

3) KUDSI ERGUNER
Zikr (excerpt)
da VV. AA. Sufi music
(Music Rough Guides/ World Music Network, 2011)

4) MEVLANA KULTUR VE SANAT VAKFY' SANATCY' LARY'
Ferahfeza peprev
da VV. AA. Sufi music
(Music Rough Guides/ World Music Network, 2001)

5) RETO BIERI
Contrechant II/ III
da Contrechant
(ECM New Series, 2011)

6) ANOUAR BRAHEM
Sur le fleuve
da VV. AA. Music for the film Sounds and silence
(ECM, 2011)

7) BILL FRISELL
Across the universe
da All we are saying...
(Savoy Jazz, 2011)

8) BBC SYMPHONY ORCHESTRA
Variations on sumer is icumen in - theme/ The skull: opening titles
da VV. AA. New stock
(NMC, 2004)

9) JONATHAN DUNFORD & ROB MACKILLOP
Love is the cause of my mourning
da Love is the cause
(Alpha, 2011)

10) RETO BIERI
Contrechant IV/ V
da Contrechant
(ECM New Series, 2011).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Anteprima Prospettive Musicali

2011-11-23T00:01:00.003Z

Anche questa domenica tocchera' a me condurre Prospettive Musicali.

Ascolteremo insieme un brano del suonatore di oud tunisino Anouar Brahem, un canto devozionale turco eseguito al ney, una composizione di Luciano Berio e molto altro ancora.

Spero di avervi miei ospiti.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Prospettive Musicali del 20 novembre 2011

2011-11-20T00:01:00.006Z

Spero innanzitutto di avere dimostrato che esiste una leggerezza della pensosità, così come tutti sappiamo che esiste una leggerezza della frivolezza; anzi la leggerezza pensosa può far apparire la frivolezza come pesante e opaca.

- Italo Calvino, Lezioni americane

1) TALLINN CHAMBER ORCHESTRA
Fur Lennart in memoriam
da VV. AA. Music for the film Sounds and silence
(ECM, 2011)

2) ROSAMUNDE QUARTETT/ HILLIARD ENSEMBLE
My own vineyard I did not keep
da Boris Yoffe Song of songs
(ECM New Series, 2011)

3) MARIA DE BARROS
Oh Menel
da VV. AA. World playtime
(Music Rough Guides/ World Music Network, 2011)

4) SAMBA TOURE'
Alabina
da Crocodile blues
(World Music Network, 2011)

5) NIK BARTSCH'S RONIN
Modul 42
da VV. AA. Music for the film Sounds and silence
(ECM, 2011)

6) MEREDITH MONK
Last song
da Impermanence
(ECM New Series, 2008)

7) PAPI BRANDAO Y SU CONJUNTO AIRES TABLENOS
La murga de Panama
da Panama! 2 latin sounds, cumbia tropical & calypso funk on the isthmus 1967 - 77
(Soundway, 2009)

8) STEPHEN MALKMUS AND THE JICKS
No one is
da Mirror traffic
(Matador, 2011)

9) KEVIN HENDERSON
Da bixter rant/ Stout's trip to Skea
da Fin da laand ageen
(Kevin Henderson, 2011).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Anteprima Prospettive Musicali

2011-11-16T22:39:00.006Z

Come gia' sapete se mi avete sentito in diretta da Londra ieri sera, tocchera' a me condurre Prospettive Musicali questa domenica.

Ascolteremo la cantante senegalese (di origini capoverdiane) Maria De Barros da un disco di canzoncine per bambini, un brano di Meredith Monk, una composizione di Arvo Part e molto altro ancora.

Conto come sempre sulla vostra compagnia.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

VV. AA., Sufi music (Music Rough Guides/ World Music Network, 2011)

2011-11-15T23:29:00.008Z

A dieci anni esatti dalla prima edizione (che si trova ancora e a prezzi ridicoli, mi pare di averla pagata 3 o 4 sterline qualche anno fa) Music Rough Guides pubblica il secondo volume dedicato alla musica Sufi.

Il Sufismo e' il misticismo islamico. I Sufi credono che il paradiso sia dentro di noi e che nostro compito sia la ricerca di questo paradiso interiore. La ricerca consiste in un'immersione nell'assoluto (che chiamano fana), che passa anche attraverso la musica e la poesia, visti come strumento per avvicinarsi a Dio e all'amore di tutte le creature.

La musica infatti per i Sufi ci porta a risuonare con il mondo dello spirito, che e' un mondo di amore e armonia.

Naturalmente questa dottrina e' stata contrastata in tutti i modi possibili dall'Islam ortodosso, soprattutto dai clerici talebani, che considerano la musica nemica dell'Islam. Un attacco talebano a un tempio sufi di Lahore costo' la vita a ben 42 fedeli. Eppure il Sufismo e' riuscito a sopravvivere in alcune aree del Medio Oriente, dell'Asia Centrale e Meridionale e dell'Africa.

Questo secondo volume e' un po' meno tradizionale rispetto al primo. Accosta infatti alla musica Sufi delle tradizioni (ney, qawwali) anche alcune versioni piu' contemporanee di canti devozionali.

E' un viaggio molto emozionante, un ascolto che risuona nella parte piu' profonda di noi. Ci avvicina a noi stessi, ci porta in contatto con sentimenti puri, di amore e pace, partecipazione, unione e contemporaneamente distacco dalle cose terrene.

Un disco che lascia un profondo senso di rinnovamento, ideale per ritrovare equilibrio e uno stato d'animo sereno e trasparente.

(Consiglio di procedere solertemente all'acquisto se siete interessati, perche' le prime copie hanno in omaggio un disco di musiche dei fachiri del Bengala, assolutamente fantastico).

Reto Bieri, Contrechant (ECM New Series, 2011)

2011-11-13T00:15:00.004Z

Sto in questi giorni molto appassionandomi all'ascolto dell'esordio solista di Reto Bieri, clarinettista svizzero (di Zug), che interpreta in chiave libera e improvvisativa il repertorio contemporaneo europeo e nord-americano.

Il riferimento al canto, presente nel titolo, non sembra fuori luogo dopo ripetuti ascolti attenti. Vale quello che dicevamo qualche giorno fa a proposito di Meredith Monk, anche se rovesciando le premesse (nel caso della Monk e' la voce a farsi musica, qui sono le note di clarinetto a farsi voce).

Non credo sia necessario sottolineare che non si tratta di un disco di facile ascolto. Scompone la musica cosi' come nelle arti figurative gli espressionisti astratti analizzavano e ricombinavano i fattori primi di forme, linee e colori. Riporta il suono al suo stato piu' puro, generando forme astratte in costante movimento. Una trasformazione che avviene in uno spazio a molte dimensioni.

Contrechant si apre con una silenziosa composizione di Luciano Berio, alla quale fa seguito un vivace e spezzato brano del compositore svizzero Heinz Holliger. E' poi la volta delle spirali di suono di Salvatore Sciarrino, di una composizione solo leggermente piu' tradizionale (jazz ridotto ai suoi fattori primi, sembra) di Elliott Carter, di un altro brano di Holliger e di due composizioni di musicisti dell'Est (Peter Eotvos e Gergely Vajda) che mi hanno ricordato un po' la varieta' cromatica del mio amato Gyorgy Kurtag. Come capita con Kurtag, assistiamo all'apparizione e al dissolvimento di forme, che sembrano a volte improvvisamente scomparire, fino a farci interrogare sulla loro concreta esistenza.

E' musica piena di luci abbaglianti e ombre che ci avvolgono. Come ho scritto altre volte, a un disco come questo mi piace accostarmi come se visitassi una galleria di pittura contemporanea. Prendendomi tempo per riflettere, senza necessariamente provare ad avanzare spiegazioni definitive e giudizi sintetici.

Ci costringe a porci domande sulla nostra relazione col suono, ancor prima che questo diventi musica. Suono dell'universo.

Bill Frisell, All we are saying... (Savoy Jazz, 2011)

2011-11-10T23:42:00.007Z

Musica che scalda il cuore, quella di John Lennon interpretata da Bill Frisell. La coperta di Linus per l'autunno 2011, necessaria adesso che la luce se ne va alle quattro del pomeriggio, i marciapiedi sono diventati tappeti di foglie gialle bagnate di pioggia, il cielo ha assunto quel colore grigio monocromatico che probabilmente restera' uguale a se stesso per i mesi a venire.

A Lennon e' legato il primo ricordo che ho di un negozio di dischi. Era il 1973, avevo 8 anni, e papa' mi porto' con lui a comprare una copia di Mind games che credo possegga ancora. (Undici anni dopo entrai in quello stesso negozio, ma questa volta per chiedere la mia prima audizione radiofonica. Il proprietario aveva infatti aperto una delle prime radio locali. Mi affidarono un programma serale, il bisnonno di Prospettive Musicali, e toccai il cielo con un dito).

Quello di Frisell e' un omaggio molto rispettoso. Non c'e' molta interpretazione, e quando c'e' in genere si limita alle battute introduttive. Certamente c'e' pochissimo jazz. Trovo pero' che la chitarra di Frisell sia capace di estrarre dalle canzoni dei Beatles e del Lennon solista tutta la loro vena malinconica: la nostalgia per un passato che non e' piu', per un'epoca dinamica di speranze e illusioni.

All we are saying... e' il terzo disco inciso da Frisell in poco piu' di un anno. Dei tre, a me continua a piacere molto anche il disco con Vinicius Cantuaria, pubblicato qualche mese fa dalla francese Naive.

All we are saying... sa esprimere un infinito amore per musiche che hanno attraversato le nostre vite. E' un ringraziamento. E per quelli della mia eta' e' un album di ricordi e foto un po' sbiadite, da sfogliare sorridendo, anche se magari un po' malinconicamente.

Music for the film Sounds and silence (ECM, 2011)

2011-11-06T23:09:00.008Z

ECM mi e' sempre sembrata una filosofia di ascolto piu' che una semplice etichetta. Musica che si apprezza (o meno) in funzione di quanto attraente per noi e' uno stile di vita sobrio, ispirato da criteri di volontaria semplicita', di ricerca dell'essenza delle cose.

Una filosofia sonora quieta e contemplativa, che viene di volta in volta declinata in chiave jazz, classica, contemporanea, restando pero' sempre fedele a un'attitudine minimalista e a un monocromatismo sonoro che allo stesso tempo richiede e facilita la concentrazione.

La colonna sonora di questo documentario realizzato da due registi svizzeri e' una bella rassegna di cio' che ECM rappresenta nella musica contemporanea, e puo' essere utile sia a chi si voglia avvicinare allo stile peculiare della casa discografica tedesca, sia a chi desideri ripercorrerne le tappe fondamentali.

Il disco comprende estratti da nove dischi storici, di Keith Jarrett, Arvo Part, Rolf Lislevand, Ronin, Anouhar Brahem, Marilyn Mazur, Dino Saluzzi, Anja Lechner (l'ho gia' scritto: la donna piu' elegante sul pianeta Terra), Gianluigi Trovesi e Eleni Karaindrou. Brani piuttosto noti (sicuramente familiari a chi ascolta Prospettive Musicali), variazioni sul tema del suono che dialoga con il silenzio.

Non ho ancora avuto occasione di vedere il film (non sostiene forse Manfred Eicher in questa lezione tenuta all'Universita' di New York che i film vanno visti al cinema?), ma spero di rimediare presto. Per intanto, mi accontento di riascoltare ancora una volta un album che e' ideale colonna sonora per la contemplazione dei colori dell'autunno.

Kevin Henderson, Fin da laand ageen (Kevin Henderson, 2011)

2011-11-02T22:40:00.007Z

Settimana scorsa sono stato particolarmente intransigente, proponendovi due pesi massimi, piuttosto impegnativi. Per compensare, questa settimana suggerisco di ascoltare insieme un disco leggero come una piuma.

Musica che arriva dalle isole Shetland, e che come un caldo maglione di lana ci fa sentire protetti dal freddo che sta per arrivare.

Fin da laand ageen (che vuol dire tornare a casa) e' una raccolta di 24 brani tradizionali di quelle belle e verdissime isole (dove spero di andare quest'estate: conosco piuttosto bene le Ebridi e le Orcadi per averle visitate con calma in bicicletta, facendo island hopping su vecchi traghetti, ma fino lassu' alle Shetland non sono mai arrivato).

A eseguirli per noi e' Kevin Henderson, erede della tradizione dei violinisti dell'arcipelago, e come loro capace di interpretare il particolare folklore delle Shetland, che combina musiche popolari scozzesi e norvegesi.

Fin da laand ageen e' un disco rasserenante, di naturale grazia, molto rilassato. Gioiose gighe da giornate di festa si alternano a brani piu' contemplativi, dal sapore gentilmente nostalgico, che sanno di scogliere e coste ventose e profumano di mare.

Per farvi venire voglia di scrivere una mail a Kevin e chiedergli di mandarvi il suo disco: c'e' una traccia che si intitola Stout's trip to Skea, dedicata a questo violinista vagabondo che si manteneva aiutando i contadini nei campi durante il raccolto. E per il resto, si godeva la vita, suonando il suo violino in riva al mare. Non pensate che la sua sia stata una vita semplicemente meravigliosa?

Sento che quest'autunno e inverno ascoltero' parecchio folk celtico, che se vorrete essere ospiti del mio blog mi fara' piacere condividere con voi. Musica da riscoprire, senza fretta, un disco alla volta: capace di donare un po' di grazia, sorrisi e serenita' alle nostre giornate.

Rosamunde Quartett/ Hilliard Ensemble, Boris Yoffe Song of songs (ECM New Series, 2011)

2011-10-28T23:11:00.006+01:00

L'atmosfera malinconica dell'autunno mi e' sempre sembrata il clima piu' adatto per affrontare pagine di musica contemporanea che richiedono un po' di concentrazione.

Come i quartetti d'archi scritti in questi ultimi anni dal compositore russo Boris Yoffe, la cui complessita' nasce dalla molteplicita' (mi verrebbe da scrivere dalla contradditorieta', senonche' confonderei costruzioni logiche razionali e liberta' propria dell'espressione artistica) delle fonti ispirative. Che spaziano dai compositori tedeschi e russi del primo Novecento fino alla musica contemporanea orientale (il primo riferimento che mi viene in mente ascoltando Yoffe e' proprio Toru Takemitsu).

Questa bella raccolta include 5 quartetti, arricchiti dalle voci dell'Hilliard Ensemble le quali aggiungono una certa dinamica (e punti di riferimento e orientamento) a queste silenziose, meditative distese sonore, capaci di evocare poetici paesaggi nebbiosi e passeggiate solitarie tra i colori dell'autunno.

Eccellente come sempre l'espressivita' del Rosamunde Quartett, e impeccabile la spaziosita' del suono: il disco e' stato registrato nel monastero di St. Gerold, dove in precedenza l'Hilliard Ensemble ha inciso insieme a Jan Garbarek.

Se i primi ascolti risultano un po' enigmatici, come e' normale, immaginate di stare visitando una galleria d'arte contemporanea: esperienza che richiede un po' di concentrazione e empatia, ma che nei casi migliori puo' portare a un rinnovamento prospettico di una certa profondita'. Che e' uno dei doni piu' grandi che l'arte puo' portare all'interno nostre esistenze.

Meredith Monk, Impermanence (ECM New Series, 2008)

2011-10-26T22:57:00.008+01:00

Scrive Meredith Monk a commento di questo suo disco:

What we have in common as human beings is that we will all die and we don't know when or how. We will lose our loved ones, our own health and finally our own bodies. Keeping this in mind leads to a deep appreciation of the moments we have, to not taking anything for granted.

Impermanence e' un disco di straordinaria poesia e profondita'. La voce si fa strumento musicale e la sparsa orchestrazione diventa una voce, capace di comunicare l'esperienza della fragilita' e della perdita, cosi' come di celebrare il mistero della vita.

Si tratta di una suite suddivisa in sedici movimenti, di considerevole complessita e ricchezza cromatica. Frammenti di danza contemporanea si alternano a momenti ambientali di poetica staticita', in una sequenza volta a rappresentare i diversi stati d'animo che accompagnano le nostre giornate, e quindi le nostre vite.

L'album e' infuso di una sobria eleganza, alla quale non sono estranei momenti piu' impulsivi e di ironia leggera, che rendono l'ascolto agile e scorrevole, almeno a tratti. Non e' pero' il disco con il quale avvicinarsi alla poetica della Monk (inizierei magari dal piu' leggero ma altrettanto emozionante Facing North, quando non addirittura da Beginnings, entrambi proposti varie volte a Prospettive Musicali).

Il lavoro e' stato ispirato dalla scomparsa della coreografa Mieke van Hoek, compagna della Monk per 22 anni. Si percepisce il dolore della perdita, ma anche il desiderio di affermazione della vita. Bellissima proprio perche' fragile, transitoria, inafferrabile. Impermanence e' un invito a trasformarla in sorpresa, scoperta, viaggio.

Prospettive Musicali del 23 ottobre 2011

2011-10-23T00:01:00.002+01:00

Gli chiesi di cambiare stazione. Dopo un po' di fruscio, sentimmo una musica di un paese lontano che si confaceva al mio stato d'animo in quel momento. Mi piaceva ascoltarla mentre una pioggia leggera bagnava il parabrezza.

- Orhan Pamuk, Il museo dell'innocenza (Einaudi)

1) ALIREZA GHORBANI & DORSAF HAMDANI
L'ivresse
da Rapture/ Ivresses
(Accord Croises, 2010)

2) ANDRAS SCHIFF
Papillons op. 2 8 - 9
da Robert Schumann Geistervariationen
(ECM New Series, 2011)

3) DELITIAE MUSICAE
Baci soavi e cari
da Gesualdo: Madrigali libro primo
(Naxos, 2010)

4) TINARIWEN
Tenere taqhim tossam
da Tassili
(Wedge, 2011)

5) ALIREZA GHORBANI & DORSAF HAMDANI
L'existence
da Rapture/ Ivresses
(Accord Croises, 2010)

6) VIEUX FARKA TOURE'
Sokosondou
da The secret
(Six Degrees, 2011)

7) LUCAS SANTTANA
Super violao mashup
da Sem nostalgia
(Mais Um Discos, 2011)

8) DEERHOOF VS. KASAI ALLSTARS
Travel broadens the mind
da VV. AA. Tradi-mods vs. rockers
(Crammed Discs, 2010)

9) STUART MCCALLUM
Dr. Doctor
da Distilled
(Naim, 2011).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Anteprima Prospettive Musicali

2011-10-19T22:43:00.009+01:00

Non mi capita spesso di scendere nel seminterrato della radio, che sta al piano sotto rispetto alle redazioni e allo studio dal quale sono solito trasmettere.

E' uno spazio molto grande, dove ci sono alcuni piccoli studi, di quelli che vengono usati per registrare trasmissioni e montare servizi, piu' gli uffici dei tecnici e un bar/ mensa che viene usato dai redattori. E l'auditorium Demetrio Stratos, che domenica scorsa ci e' stato affidato per organizzare il compleanno di Prospettive Musicali. Il decimo compleanno: siamo andati in onda per la prima volta il 14 ottobre 2001.

Nel 2001 abitavo gia' qui a Londra, dove mi ero trasferito a febbraio. Durante quei primi mesi avevo preso l'abitudine di ascoltare regolarmente uno strano programma notturno (un UFO, letteralmente) di BBC Radio 3 chiamato Late Junction (che ha festeggiato da poco il decennale, proprio come noi). Late Junction era il programma che avevo sempre sognato di realizzare e condurre. Una sequenza, costruita con molto gusto, di altre musiche, unite proprio dal fatto di essere altre, diverse, indipendenti nel senso piu' autentico e alto del termine. Provenienti da tutti i luoghi del pianeta e da tutti i tempi della storia della musica, perche' gli outsiders ci sono sempre stati e sono, tuttora, ovunque: basta cercarli, e quando li trovi li riconosci, ed e' sempre un'enorme gioia.

Durante una vacanza italiana, nell'agosto di quell'anno, ispirato proprio da Late Junction scrissi un progetto di trasmissione e presi un appuntamento con Claudio Agostoni, direttore della redazione musicale, per presentarglielo. Con mio grande piacere Claudio mi disse che aveva anche lui in mente qualcosa di simile da inserire nel palinsesto della radio, e che si' c'era spazio per portare avanti il progetto. Ti vorrei presentare un paio di collaboratori storici della radio che potrebbero essere interessati, mi disse. E mi mise in contatto con Alessandro e Gigi, che sarebbero diventati i miei compagni in questo viaggio.

Ci riservarono un'ora, la domenica sera, all'inizio solo in prova. Audiradio scrisse che avevamo, ogni domenica, 23mila ascoltatori. Un'enormita' per una proposta difficile e sfuggente come la nostra. Una bella sorpresa che ha portato il programma a essere confermato, stagione dopo stagione.

Il colpo d'occhio, quando domenica scorsa sono arrivato in radio, era emozionante. Il palco era pronto, il pubblico stava iniziando ad arrivare, i tecnici stavano spiegando a Alessandro e Gigi come usare il mixer dello studio 5, di fianco all'auditorium, da dove noi avremmo presentato il concerto. I piccoli studi erano stati trasformati in altrettante sale prove. Aprivi le porte e trovavi qualcuno dei 18 musicisti della Artchipel Orchestra, che sarebbero saliti sul palco per festeggiare con noi, intenti a prepararsi, accordando e provando i loro strumenti.

Dopo una mezz'ora l'auditorium era gremito. Alcuni hanno portato gentilmente bottiglie di vino e cibarie che sarebbero servite per i festeggiamenti post-concerto. Alle 21.55 tutto era pronto per la diretta, giusto il tempo di dividerci i compiti. Mettiamo lo stacchetto di Wyatt, poi tu Fabio annunci il programma, poi l'orchestra fa uno stacco, e poi Alessandro introduce l'Artchipel. Poche parole, tanta musica, anche per non tediare il pubblico straniero che avevamo invitato a collegarsi via web.

Il risultato lo potete ascoltare qui, e vi assicuro che e' una gioia, come hanno testimoniato l'entusiasmo del pubblico e i complimenti che abbiamo ricevuto al termine del concerto.

Per domenica prossima, invece, vi ho preparato un Prospettive Musicali piu' usuale, da studio, che ho registrato lunedi' sera prima di tornare qui a Londra.

Ascolteremo insieme musiche ispirate dal Rubaiyat di Omar Khayyam, filosofo e poeta persiano dell'undicesimo secolo. Poi un madrigale di Carlo Gesualdo, principe di Venosa, compositore appartenente alla tradizione rinascimentale italiana. E andremo in Mali, a sentire gli ultimi lavori dei Tinariwen e di Vieux Farka Toure'.

Conto, come sempre, sulla vostra compagnia.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Prospettive Musicali del 9 ottobre 2011

2011-10-09T20:16:00.009+01:00

Settimo compleanno di Engadina Calling! E mentre si avvicina il decimo di Prospettive Musicali, ascolteremo insieme:

1) ANDRAS SCHIFF
Papillons op. 2 1-3
da Robert Schumann Geistervariationen
(ECM New Series, 2011)

2) OLLI OJAJARVI TRIO
Stones tones
da Out of mind
(Ricky-Tick, 2009)

3) TINARIWEN
Imidiwan ma tenam
da Tassili
(Wedge, 2011)

4) NECKS
The boys I
da Music for the feature film The boys
(Wild Sound/ MDS, 1998)

5) ANDRAS SCHIFF
Papillons op. 2 4-5
da Robert Schumann Geistervariationen
(ECM New Series, 2011)

6) LE BRUIT COURT DANS LA VILLE
Dans les prisons de Nantes/ Reel à Phylias
da Le Bruit Court Dans La Ville
(Mille-Pattes Collection Tradition Quebec, 1997)

7) APOLLO'S FIRE/ JEANNETTE SORRELL
Appalachian barn dance
da Come to the river/ An early American gathering
(Avie, 2011)

8) ABIGAIL WASHBURN
City of refuge
da City of refuge
(Rounder, 2011)

9) LADY MAISERY
I know my love
da Weave & spin
(RootBeat, 2011)

10) ANDRAS SCHIFF
Papillons op. 2 6-7
da Robert Schumann Geistervariationen
(ECM New Series, 2011)

11) LADY MAISERY
The changeling's lullaby
da Weave & spin
(RootBeat, 2011).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Anteprima Prospettive Musicali

2011-10-05T23:19:00.008+01:00

Questa domenica tocchera' a me condurre Prospettive Musicali.

Ascolteremo insieme un lavoro giovanile di Robert Schumann, musiche dei Tuareg e folk del Quebec. E naturalmente, come da tradizione, non ci faremo mancare una ninna nanna, che questa settimana arrivera' dall'Inghilterra.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

E adesso una sorpresa per tutti voi, alla quale, in gran segreto, stiamo lavorando da qualche tempo...

Comunicato stampa

PROSPETTIVE MUSICALI COMPIE 10 ANNI!

Il 14 ottobre 2001 andava in onda la prima puntata di Prospettive Musicali, il settimanale di altre musiche di Radio Popolare condotto da Alessandro Achilli, Gigi Longo e Fabio Barbieri, tutte le domeniche alle 22.35.

Un appuntamento ormai storico per gli appassionati di espressioni musicali che non trovano risalto nelle trasmissioni mainstream, e per chi non ha paura di mischiare linguaggi diversi: musiche medioevali e avanguardie elettroniche, free jazz e musiche per ambiente, danze etniche e partiture contemporanee, improvvisazione e composizione, avant rock e canzone, silenzio e rumore.

Per festeggiare i suoi primi 10 anni di vita, Prospettive musicali invita i suoi ascoltatori a un concerto nell’auditorium Demetrio Stratos di Radio Popolare. Con noi, a soffiare sulle candeline, salirà sul palco la Artchipel Orchestra.

Il concerto si svolgerà (e verrà trasmesso sulle frequenze di Radio Popolare) domenica 16 ottobre a partire dalle ore 22.

Siete invitati tutti: l’ingresso è gratuito ma l’auditorium Demetrio Stratos può ospitare solamente 90 persone, leprime 90 che prenoteranno scrivendo a prospmus[at]radiopopolare.it oppure telefonando al numero 02.39241409.

A fine serata ci piacerebbe anche offrirvi un brindisi: noi porteremo un po’ di bottiglie. Se qualcun altro vuole portarne (o vuol portare stuzzichini o altro, meglio se vegetariani), è il benvenuto ma non sentitevi obbligati: sarete i benvenuti anche se porterete solamente voi stessi e i vostri amici (purché prenotino).

ARTCHIPEL ORCHESTRA

Artchipel Orchestra è un «arcipelago musicale»: alcune «isole» cambiano di volta in volta (cosicché la formazione varia da una dozzina a una trentina di elementi) ma il risultato finale è sempre di forte identità, grande impatto scenico e trasversalità, anche anagrafica: giovani musicisti di talento hanno infatti occasione disuonare accanto a nomi affermati del jazz italiano.

Anche per questo è da considerare una sorta di vivaio e i suoi concerti sono un laboratorio permanente, quasi una prova aperta, che mantiene salda l’armonia tra i musicisti e viva la tensione del pubblico.

Artchipel Orchestra è dunque un esperimento in divenire, giovane ma in rapida crescita, che sta riscuotendo ilgradimento di pubblico e critica.

Dopo la partecipazione alla trasmissione Prospettive Musicali di Radio Popolare, terrà un concerto ad Aosta e a novembre entrerà in sala d’incisione.

Alireza Ghorbani & Dorsaf Hamdani, Rapture/ Ivresses (Accord Croises, 2010)

2011-09-30T22:01:00.004+01:00

Adesso, davvero, tenetevi forte, perche' questo e' uno dei dischi che puo' letteralmente cambiare per sempre il vostro concetto di musica.

L'adattamento musicale delle poesie di Omar Khayyam (filosofo e poeta vissuto in Persia nell'undicesimo secolo) e' quanto di piu' prossimo all'estasi la musica abbia saputo generare, nella sua millenaria storia. Prima di ascoltare questo disco, non sospettavo nemmeno che una perdita di coscienza di questa intensita' fosse possibile, senza l'uso di sostanze stupefacenti.

Anche se e' vissuto dieci secoli fa, Omar Khayyam e' un nostro contemporaneo sostiene giustamente il grandissimo Alireza Ghorbani, massimo interprete vivente della tradizione musicale classica persiana (una rivelazione assoluta, una luce abbagliante, un dono). La raccolta delle poesie di Khayyam, Rubaiyat, sa tenere insieme spiritualita' orientale e filosofia epicurea, meditazione trascendentale e celebrazione dei piaceri terreni, gioia e malinconia per la finitezza delle nostre vite (non a caso e' lettura proibita dai mullah islamici).

La lettura di queste quartine e l'ascolto di queste musiche ci ammoniscono a cogliere l'attimo e a vivere con estrema consapevolezza. E contemporaneamente, a saperci annullare, nel fluire di tutte le cose: diventare parte del tutto, stemperando i nostri confini finiti in cio' che finitezza non ha.

Ad accompagnarci in questo percorso di ricerca e scoperta e' anche una voce femminile, quella della splendida cantante tunisina Dorsaf Hamdani, capace di tenere testa, per grazia, con la nostra adorata Amina Alaoui (che vi ho trasmesso varie volte recentemente a Prospettive Musicali).

Questa raccolta di lancinante bellezza esce per una eccellente etichetta francese, la Accord Croises, che ha in catalogo volumi di Ravi Shankar, Keyvan Chemirani, Hariprasad Chaurasia (che scoprii molti anni fa in un ashram nel Bihar: che piacere ogni volta che lo ritrovo sulla mia strada). E poi raccolte di musica devozionale palestinese, cinese, maliana, algerina. Roba da perdere la testa, completamente.

In rete ho trovato questo concerto/ lungometraggio. Perdetevi insieme a me nei suoni dell'oud, del tar, della darbouka, del bendir.

Buon ascolto, buona visione, buona estasi.

Delitiae Musicae, Gesualdo: Madrigali libro primo (Naxos, 2010)

2011-09-28T23:23:00.004+01:00

Questa sera mi sono immerso nell'ascolto dei Madrigali di Gesualdo, un'esperienza emotiva di una forza straordinaria.

Carlo Gesualdo, principe di Venosa, fu il massimo cantore rinascimentale, probabilmente ancora oggi insuperato, dell'estasi e dell'agonia amorose, che espresse con una visionarieta' che lo rende sconcertantemente moderno.

E' infatti sono tanti i visionari moderni e contemporanei che ne hanno celebrato la grandezza, usando vari linguaggi espressivi, da Igor Stravinskij a Werner Herzog.

Come ha scritto recentemente la bravissima Anna Calvi, Gesualdo wrote music in the 16th century that was so progressive and extreme that no one attempted to recreate his style until the 20th century... It wasn't until centuries later that he was rediscovered, and his work is a huge inspiration to me.

E il grandissimo Manlio Sgalambro lo defini' contemporaneo della fine del mondo.

Il punto di partenza per fare la conoscenza di questo assoluto genio mi dicono sia questo primo libro di madrigali. Credetemi sulla parola, lascia senza fiato, travolge con una intensita' emotiva che mi e' impossibile descrivere.

Lasciatemelo affermare, ancora una volta: le musiche rinascimentale e barocca costituiscono patrimoni di una ricchezza emozionale che non ha pari nella storia.

Se come me provenite fino a qui quale tappa di un lungo viaggio (che per me inizio' con il punk, alla fine degli anni '70), non potete che rallegrarvi. E' valsa la pena di percorrere tutta questa strada, per scoprire questa stazione davvero fondamentale.

Questo potrebbe essere un frammento della biografia girata da Herzog (dico potrebbe perche' il titolo e' lo stesso, ma non ci sono credits).

E se avete ancora un cuore, questo madrigale vi commuovera' fino alle lacrime.

Quale viaggio meraviglioso e' quello nella musica, per chi non si relega all'interno di confini. Forse il piu' emozionante dei viaggi possibili in questa vita.

Nirvana, Nevermind deluxe edition (Geffen, 2011)

2011-09-27T10:35:00.005+01:00

- Tocca a me? Vorrei un etto di gorgonzola.

- Ecco qua. Basta cosi'?

- No, mi dia anche 4 etti di crosta.

Y'all ready?

2011-09-23T14:11:00.002+01:00

"Y'all ready?" a correctional officer asks the five reporters chosen to witness the execution.

Davis is strapped to the gurney in the death chamber and a warden reads the execution order.

Davis lifts his head and uses his last words to protest his innocence to the relatives of the murdered police officer Mark MacPhail.

He asks his own family to "keep the faith" and asks God to have mercy on the souls of the medical staff about to put him to death.

(The Independent, 23 settembre 2011)

REM, Murmur (IRS, 1983)

2011-09-22T12:17:00.015+01:00

Murmur non l'ho mai comprato.

Anticipando di una ventina di anni il download illegale, durante le vacanze di Pasqua del 1983, a Parigi, entrai alla Fnac e ne uscii con tre dischi, senza pagarli. Uno era Murmur, gli altri due erano Blue Monday dei New Order e The lovecats dei Cure (declino ogni responsabilita' in caso qualcuno decidesse di scrivere nei commenti che la musica che usciva allora, ecc. ecc. Io mi limito a elencare fatti). Non saprei piu' ricostruire la dinamica del misfatto, ma ricordo la motivazione che mi diedi (una roba da brividi, a pensarci adesso): "Eddai Fabio, tra pochi giorni compi 18 anni e queste cose non le potrai piu' fare". Infatti non le feci piu'. Se dovessi scaricare un disco illegalmente adesso, credo che mi sveglierei di notte con la coscienza in rivolta, mi alzerei e riscaricherei il disco, pagandolo. Come si cambia, nella vita.

Adesso potrebbe partire una elegia da 4 pagine del gruppo di Athens, inclusiva del significato generazionale della band sul recupero creativo del passato, come lo chiamava Claudio Sorge. Peter Buck, che ho incontrato di persona una volta qui a Londra, credo si sbellicherebbe dalle risate. Verrebbe da pensare che per lui i REM non esistessero gia' da tempo: sembrava divertirsi molto di piu' a suonare la sua Rickenbacker per Robyn Hitchcock. Libero, finalmente.

Pero', guardate cos'ho trovato nell'archivio di Engadina Calling (dovete scorrere il post fino in fondo, e poi i piu' coraggiosi di voi si possono pure sciroppare 37 commenti, tutti in tema).

(37 commenti tutti in tema... Quanto eravamo bravi e disciplinati prima che la potenza democratica di Facebook devastasse tutto...).

Vieux Farka Toure', The secret (Six Degrees, 2011)

2011-09-21T22:18:00.013+01:00

E' emozionante pensare a quanto profonde sono le radici di musica che suona cosi' nuova.

Vieux Farka Toure' e' uno dei figli del compianto Ali Farka Toure'. Questa e' la traccia che apre il suo nuovo lavoro, The secret, appena pubblicato da Six Degrees.

Semplicemente, insieme ai Tinariwen, Vieux Farka Toure' e' oggi la voce piu' interessante della nuova musica africana.

Andras Schiff, Robert Schumann Geistervariationen (ECM New Series, 2011)

2011-09-17T23:22:00.008+01:00

Non e' la prima volta che qui in Engadina sentiamo insieme Andras Schiff. Del pianista ungherese parlammo infatti quando poco piu' di un anno fa pubblico' un volume di partite del nostro amatissimo Johann Sebastian Bach.

Torno a scriverne in occasione della pubblicazione di questo doppio disco di sonate per pianoforte scritte da Robert Schumann (anche di lui abbiamo parlato da poco, quando usci' l'esecuzione della fantasia Kreisleriana suonata da Alexander Lonquich).

Anche se si e' scelto di intitolare il disco come la serie di variazioni che conclude la fase creativa del compositore tedesco, scritte appena prima che la malattia mentale prendesse il sopravvento, i due volumi tracciano per intero lo sviluppo della scrittura schumanniana, a partire da un lavoro giovanile qual e' Papillons, di soave leggerezza (pur nella brevita' dei segmenti musicali che lo compongono).

Altri momenti altissimi di questi due dischi sono le interpretazioni delle celeberrime Kinderszenen, e della Fantasia in do maggiore, della quale sono riportati due finali alternativi.

Regaliamo al nostro autunno i colori delicati e meditativi del compositore romantico per eccellenza. Un'occasione per rallentare i nostri tempi e concederci momenti di contemplazione, all'interno di queste giornate che si stanno accorciando, e delle prime foglie che, qui a Londra, sono iniziate a cadere annunciando la fine dell'estate.

Un rappresentativo frammento dalle Geistervariationen lo potete ascoltare cliccando qui.

Necks, Music for the feature film The boys (Wild Sound/ MDS, 1998)

2011-09-15T00:20:00.007+01:00

La colonna sonora di The boys e' il sesto disco della discografia degli australiani Necks, e a mio parere uno dei loro migliori.

Nate per accompagnare questa drammatica storia, le sette tracce di questo disco, registrato durante la ormai dimenticata stagione del post-rock, galleggiano in un territorio indefinito, sospeso tra jazz da camera di impostazione europea, musiche ambientali, kraut-rock anni '70 e le ritmiche leggere e indolenti di quello che un tempo chiamavamo trip-hop.

Viene in mente soprattutto la Cinematic Orchestra, ma resa piu' drammatica e profonda, impegnata a disegnare architetture sonore adatte ad accompagnare una pellicola un po' thriller e un po' realismo sociale.

Lo svolgimento e' quello al quale i Necks ci avevano gia' abituati, e che si e' negli anni evoluto millimetricamente pur se costantemente: cerchi irregolari di suono, che si spostano nello spazio quasi impercettibilmente.

Il disco e' stato ristampato un paio di volte, l'ultima da Recommended nel 2004, e ho visto che si trova ancora abbastanza facilmente.

In rete ho trovato questo frammento, tra gli episodi piu' drammatici (il disco pero' contiene anche momenti decisamente piu' distesi).

A novembre avremo modo di ascoltare i Necks sia in Italia che qui, le date le trovate gia' nel loro sito (e il concerto e' la dimensione migliore per ascoltarli, specie se in piccole venues, silenziose, che permettono una reale immersione ipnagogica negli strati piu' profondi del loro misterioso suono).

Tinariwen, Tassili (Wedge, 2011)

2011-09-09T22:20:00.013+01:00

Il suono dei Tinariwen (dei quali abbiamo gia' parlato qui e qui e che ho fotografato qui) e' linea che unisce Africa e occidente: una linea di scambio, permeabile, che facilita il dialogo.

Tassili e' un disco raffinatissimo, pieno di dettagli, che emergono in tutta la loro magnificenza negli espisodi piu' essenziali. Sentite l'arabesco di chitarra acustica che apre Tameyawt, attraverso il quale passano il vento del deserto e mulinelli di sabbia.

Tassili lo hanno registrato all'aperto, nella luce abbagliante dell'Algeria, che si riflette fuori e dentro di noi quando ci mettiamo all'ascolto.

Tassili soddisfa il nostro bisogno di colori. E' intimista, crepuscolare, autunnale come solo il blues sa essere, infuso di un'energia calda e avvolgente.

Di Tassili cercate la versione doppia, perche' le quattro tracce addizionali aggiungono preziose tonalita' ritmiche e acustiche a questa affascinante traversata desertica.

Da Tassili sentite come la chitarra di Nels Cline dei Wilco galleggia con grazia sul blues in tempo dispari di questa Imidiwan ma tenam, aggiungendo profondita' e mistero.

Antonio Tabucchi, Il tempo invecchia in fretta (Feltrinelli, 2009)

2011-09-08T00:02:00.007+01:00

Le parve di essere quel bambino che all'improvviso si ritrovava con un palloncino floscio tra le mani, qualcuno glielo aveva rubato, ma no, il palloncino c'era ancora, gli avevano sottratto l'aria che c'era dentro.

Era dunque cosi', il tempo era l'aria che c'era dentro. Era dunque cosi', il tempo era aria e lei l'aveva lasciata esalare da un forellino minuscolo di cui non si era accorta?

Il viaggio di ieri da Milano, tra sciopero del personale dell'aereoporto e poi, arrivato finalmente a Londra, vandalismo (furto dei binari!) che ha costretto il Gatwick - Farringdon a una diversione interminabile, e' stato forse il piu' lungo da quando abito qui.

Ho trovato il tempo di leggermi per intero questi nove racconti dedicati da Tabucchi, ironia della sorte, al tempo: a questa fortuna che non possiamo accumulare, ma solo spendere.

Il racconto che ho preferito e' quello finale. Si intitola Controtempo ed e' la storia di un uomo d'affari che viene mandato a una conferenza, a Creta. Invece di andare alla conferenza, viaggia sull'isola, fino a quando vede un cartello che indica una localita' chiamata Monastiri.

Lo segui' come se fosse quello che aspettava finche' non vide un piccolo monastero con un tetto semidiroccato. Capi' di essere arrivato. Scese. La porta sgangherata di quelle rovine pendeva all'interno.

Penso' che ormai in quel luogo non c'era piu' nessuno, un alveare di api sotto il piccolo portico sembrava esserne l'unico guardiano. Scese e aspetto' come se avesse un appuntamento. Era quasi buio.

Sulla porta apparve un frate, era molto vecchio e si muoveva a fatica, aveva un aspetto da anacoreta, con i capelli incolti sulle spalle e una barba giallastra, cosa vuoi, gli chiese in greco. Conosci l'italiano?, gli chiese il viaggiatore.

Il vecchio fece un cenno di assenso con la testa. Un po', mormoro'. Sono venuto a darti il cambio, disse l'uomo.

Prospettive Musicali del 4 settembre 2011

2011-09-04T11:38:00.006+01:00

1) STEPHEN STUBBS

Sonata Follia op. 5, no. 12: adagio
da Teatro Lirico
(ECM New Series, 2006)

2) HEDY WEST
The wife wrapt in wether's skin
da Ballads and songs from the Appalachians
(Fellside, 2011)

3) ALI FARKA TOURE' & TOUMANI DIABATE'
Naweye toro
da VV. AA. World lullabies
(Music Rough Guides/ World Music Network, 2011)

4) AMINA ALAOUI
Flor de nieve
da Arco iris
(ECM, 2011)

5) STEPHEN STUBBS
Balletto quarto: adaggio

da Teatro Lirico
(ECM New Series, 2006)

6) DUFAY COLLECTIVE
Istanpitta Ghaetta
da A dance in the garden of mirth
(Chandos, 1994)

7) SIXTEEN/ HARRY CHRISTOPHERS
Salve regina
da Palestrina - volume 1
(Coro, 2011)

8) CONCERTO CALEDONIA/ DAVID MCGUINNES
The foggy dew
da Revenge of the folksingers
(Delphian, 2011)

9) PINK FLOYD
One of these days
da Meddle
(Harvest, 1971)

10) STEPHEN STUBBS

Improvisation II

da Teatro Lirico

(ECM New Series, 2006).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Anteprima Prospettive Musicali

2011-09-01T11:27:00.005+01:00

Questa domenica tocchera' ancora a me condurre Prospettive Musicali.

Ascolteremo un'altra ninna nanna, questa volta dal Mali, eseguita da Ali Farka Toure' e Toumani Diabate'. E poi un po' di musica italiana: un'istanpitta del quattordicesimo secolo, una Salve regina di Giovanni Pierluigi da Palestrina, una sonata di Arcangelo Corelli e un balletto di Maurizio Cazzati.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Prospettive Musicali del 28 agosto 2011

2011-08-28T10:50:00.003+01:00

1) HEDY WEST

Gambling man
da Ballads and songs from the Appalachians
(Fellside, 2011)

2) MILES DAVIS
Little church
da Live-evil
(Columbia, 1971)

3) OMARA PORTUONDO
Drume negrita
da VV. AA. World Lullabies
(Music Rough Guides/ World Music Network, 2011)

4) DJELIMADY TOUNKARA
Fanta bourana
da VV. AA. African guitar legends
(Music Rough Guides/ World Music Network, 2011)

5) HEDY WEST
Barbara Allen
da Ballads and songs from the Appalachians
(Fellside, 2011)

6) AMINA ALAOUI
Buscate en mi
da Arco iris
(ECM, 2011)

7) ALESSIO BAX
Prelude op. 23 no. 1 in F sharp minor: largo
da Rachmaninov: preludes & melodies
(Signum Classics, 2011)

8) GURDJEFF FOLK INSTRUMENTS ENSEMBLE/ LEVON ESKENIAN
Chant from a holy book
da Music of Georges Ivanovich Gurdjeff
(ECM, 2011)

9) JUNE TABOR

Bonny May
da VV. AA. The folk collection
(Topic, 1999).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Anteprima Prospettive Musicali

2011-08-24T11:12:00.003+01:00

Questa domenica tocchera' a me condurre Prospettive Musicali.

Sara' una puntata molto al femminile. Ascolteremo una preghiera di Santa Teresa d'Avila cantata da Amina Alaoui, dal Marocco, un classico del folk scozzese eseguito da June Tabor, alcune ballate degli Appalachi cantate da Hedy West, una ninna nanna cubana interpretata da Omara Portuondo. E molto altro ancora.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM 107.600 e sul web.

Sixteen/ Harry Christophers, Palestrina - volume 1 (Coro, 2011)

2011-08-20T00:13:00.003+01:00

A quelli di voi che stanno seguendo i miei percorsi di questi ultimi mesi nelle musiche medioevali, rinascimentali e barocche, propongo oggi di ascoltare insieme un disco registrato proprio qui vicino, in una chiesa a due passi da Clerkenwell (dove si trova, diciamo cosi', la redazione di Engadina Calling, o piu' semplicemente il mio soggiorno) e a uno solo da dove lavoro.

Si tratta di un album che raccoglie alcune composizioni di Giovanni Pierluigi da Palestrina, probabilmente il piu' grande compositore di musica sacra di tutti i tempi, nonche' il piu' noto esponente della scuola musicale romana del sedicesimo secolo.

In particolare, il programma di questo volume inizia con un paio di magnifici mottetti (Salve regina e Assumpta est Maria), per proseguire con una delle messe piu' famose scritte da Palestrina (la Missa assumpta est Maria, della quale vi propongo di ascoltare l'iniziale Kyrie), e infine concludersi con una serie di mottetti composti in periodi diversi (i migliori dei quali mi sembrano Tota pulchra es, amica mea e Vulnerasti cor meum, soror mea).

E' certamente musica che richiede, per essere apprezzata e forse solo compresa, l'avere intrapreso un percorso di ricerca che e' insieme musicale e spirituale, e quindi e' musica piu' adatta a certi momenti della nostra esperienza di vita che ad altri.

Ma se la musica occupa uno spazio non superficiale all'interno delle vostre giornate, se e' ricerca profonda piu' che escapismo e intrattenimento, allora sono convinto che la musica sacra polifonica possa rappresentare un capitolo di scoperta importante, un patrimonio da conoscere a fondo, magari se necessario affrontandolo all'inizio in dosi omeopatiche.

E' un'esperienza di ascolto all'inizio un po' impegnativa, che domanda nell'ascoltatore un'indipendenza di pensiero che si acquisisce progressivamente. Ma si tratta, o almeno lo e' per me, di un ascolto molto arricchente e non solo sul piano musicale.

Ne parleremo ancora presto qui, promesso. A chi passa di qui, buon fine settimana.

Stephen Stubbs, Teatro Lirico (ECM New Series, 2006)

2011-08-17T22:59:00.005+01:00

Nonostante in questi ultimi mesi i miei ascolti si siano un po' spostati verso l'esplorazione di musiche antiche (medioevali e rinascimentali), la musica barocca rimane il genere che dall'inizio dell'anno ho sentito piu' spesso e volentieri.

Al di la' dei compositori piu' noti (Bach, Monteverdi, Vivaldi, Handel, ecc.), il diciassettesimo secolo ha generato un (diremmo oggi) underground ricchissimo, che a mio parere rappresenta il vero elemento di interesse. Si e' scelto di definire questa musica barocca, e invece per la sua essenzialita' e sobrieta' oggi forse la definiremmo minimalista.

Uno spirito di volontaria semplicita' infonde questo disco, uno dei migliori nel suo genere. Lo ha inciso il liutista di Seattle (sembra un destino che io debba in periodi molto diversi della mia vita trasmettere alla radio musica di Seattle, detto per inciso una delle mie citta' preferite al mondo) Stephen Stubbs, virtuoso della chitarra e del chitarrone barocchi.

Si e' fatto accompagnare da tre musicisti di diversa provenienza: lo slovacco Milos Valent (violino, viola), l'olandese Maxine Eilander (arpe spagnole e italiane) e la texana Erin Headley (viola da gamba, lirone). Insieme hanno scelto di farsi chiamare Teatro Lirico.

Il programma che eseguono e' superlativo. Comprende molti dei miei compositori preferiti dell'underground barocco italiano: Corelli, Caccini, Cazzati, Farina, Granata, Foscarini (che ai suoi tempi era definito il furioso). Intimiste sonate si alternano a gioiose danze, sempre con un elemento improvvisativo al quale e' data centralita' e che dona freschezza e spontaneita'. La musica barocca, ne sono convinto e l'ho affermato tante volte qui e alla radio, e' una musica di sorprendente modernita', se solo la si ascolta senza pregiudizi. E se ancora aveste dubbi, l'ascolto di una scordatura di Heinrich Ignaz von Biber (l'equivalente barocco di Thurston Moore) dovrebbe scioglierli definitivamente.

Non trovo nessuna traccia di questa selezione da proporvi, ma vorrei lasciarvi lo stesso con un po' di musica. Che cosa vi posso fare ascoltare, vediamo... Una sonata di Corelli? Una ciaccona di Cazzati? Una danza di Farina? A voi la scelta, e buon ascolto.

Alessio Bax, Rachmaninov: preludes & melodies (Signum Classics, 2011)

2011-08-12T22:33:00.018+01:00

Non esiste un momento migliore per immergersi nei preludi di Rachmaninov di una quieta notte estiva.

Il compositore e pianista russo viene considerato l'ultimo dei romantici (a '900 iniziato sosteneva infatti di essere organicamente incapace di comprendere la musica moderna), e i suoi preludi sono l'epitome conclusiva di uno stile compositivo infuso di sentimentalismo, la purissima rappresentazione sonora di emozioni tempestose che si alternano a estatici abbandoni.

Quello che colpisce noi ascoltatori moderni, e' quanto Rachmaninov, per quel suo gusto classicamente elegante, suoni cosi' estraneo alla musica del suo tempo (Satie, Stravinsky, Prokoviev), ben piu' orientata alla sperimentazione, a prendere le distanze dagli eccessi romantici ottocenteschi.

E un'altra caratteristica propria di questi brani e' la contraddizione tra la leggerezza dell'ascolto e la difficolta' esecutiva (Rachmaninov era dotato di mani enormi, capaci di muoversi molto rapidamente sulla tastiera del pianoforte, e questo rende un monumentale tour de force l'esecuzione delle sue composizioni da parte di pianisti con mani normali).

Nonostante la durata non limitata di ognuno dei 10 preludi che compongono questo ciclo (l'opera 23, secondo me superiore all'opera 32 composta 7 anni dopo), sui 3 o 4 minuti, le frequenti variazioni cromatiche mantengono l'attenzione e coinvolgono dall'inizio alla fine.

In questo filmato possiamo ascoltare i preludi op. 32 n. 10 e op. 23 n. 2, eseguiti dal pianista barese Alessio Bax, del quale ho recentemente comprato anche un volume di trascrizioni bachiane, anche quello pubblicato da Signum Classics e anche quello molto consigliato.

Buon fine settimana e buon ferragosto.

[Qualcuno di voi avra' ascoltato i miei interventi di settimana scorsa, per il GR di Popolare Network, dagli scontri di Londra. Sullo stesso tema ho appena finito di preparare (lo ammetto, un po' controvoglia perche' passare da Rachmaninov a Skream, Kode9, The Bug, Zomby e' un'esperienza che mi ha psicologicamente devastato, ma se si scomoda a telefonarti il direttore in persona non gli puoi mica dire di no) uno speciale dal titolo "I suoni della rivolta", nel corso del quale ripercorreremo insieme la storia del dubstep e del grime, ascoltando le tracce principali di questi due generi.

Lo speciale sara' trasmesso a pezzi da martedi' 16 a venerdi' 19 all'interno di Popline, in network nazionale, a un'ora ancora imprecisata tra le 17.30 e le 19.30. Oggi, martedi' 16, vado in onda alle 17.45 circa, domani chissa'...].

Concerto Caledonia/ David McGuinnes, Revenge of the folksingers (Delphian, 2011)

2011-08-10T23:22:00.006+01:00

Considero Alasdair Roberts uno dei massimi talenti espressi dalla musica negli ultimi dieci anni, paragonabile, per sensibilita' e capacita' di rinnovare la tradizione, a Will Oldham e a Joanna Newsom.

Con la differenza che forse Roberts non colpisce in modo cosi' immediato, piuttosto direi che ne riesci a comprendere tutta la grandezza seguendone pazientemente il percorso, partendo dai magnifici e misconosciuti Appendix Out e ripercorrendo le sue pubblicazioni soliste.

Da qualche anno, l'ottimo Alasdair sta esplorando i punti di contatto tra tradizione folk scozzese e musiche medioevali e rinascimentali (che come credo abbiate intuito costituiscono la maggior parte dei miei ascolti degli ultimi mesi).

Del resto, il folk revival britannico non e' nuovo a questa ricerca: pensate ad esempio agli strumenti rinascimentali importati dalla Albion Dance Band nel proprio folk elettroacustico, o a Shirley e Dolly Collins che collaboravano con l'Early Music Consort.

Questa rivincita dei cantautori folk riprende proprio lo stile del miglior folk progressivo britannico degli anni '60. Alasdair Roberts, Jim Moray, Olivia Chaney (i nomi piu' interessanti del nuovo folk britannico) e altri si sono ritrovati in questo incantevole luogo del Suffolk rurale per una settimana, per studiare gli arrangiamenti scritti dall'immenso Benjamin Britten attorno a temi della tradizione.

La neve che cadeva incessantemente attorno a loro nella campagna del Suffolk ha fornito l'ispirazione per queste toccanti interpretazioni di brani autografi e appartenenti alla infinitamente ricca storia del patrimonio popolare britannico. In queste 17 tracce gli strumenti tipici del folk si accompagnano con armonia a quelli della tradizione classica rinascimentale.

Il risultato e' un disco assolutamente poetico, in molti episodi commovente, curato nei minimi dettagli, realizzato da un cenacolo di musicisti sensibili alle meraviglie della natura e capaci di giocare creativamente con il silenzio attorno a loro.

Un ascolto che e' come acqua di sorgente, purissima e trasparente: slow food per la mente, capace di riscaldare il cuore.

In questo video David McGuinnes, direttore del progetto, racconta nel suo splendido accento scozzese la filosofia di questo magnifico disco, senza alcun dubbio uno dei migliori di quest'anno.

Dufay Collective, A dance in the garden of mirth (Chandos, 1994)

2011-08-05T23:26:00.011+01:00

Piu' vado alla ricerca di raccolte di musica medioevale e rinascimentale, e piu' scopro un patrimonio di illimitate grazia e serenita'. Melodie e ritmi che mi viene spontaneo associare a una sobria armonia interiore, a una volontaria semplicita'.

Per tutta l'estate, e soprattutto nel periodo trascorso peregrinando tra monasteri, in Toscana, ho ascoltato quasi quotidianamente un volume di composizioni per cornetti e tromboni, strumenti non inusuali nella tradizione sacra rinascimentale italiana. Quel disco l'ho trasmesso anche un paio di volte alla radio, sempre raccogliendo commenti favorevoli.

Al mio ritorno a Londra, sono riuscito a mettere le mani su una copia di un disco quasi coevo a quello (entrambi risalgono a quasi vent'anni fa), che mi sta regalando la soddisfazione di ascoltare strumenti, suoni e strutture melodiche dei quali mai avevo fatto esperienza in precedenza.

Il programma di questa danza nel giardino del mirto comprende musica strumentale medioevale, composta da musicisti italiani e francesi nel corso del tredicesimo e quattordicesimo secolo.

A interpretare queste affascinanti composizioni e' un collettivo londinese attivo da quasi venticinque anni, pur se con frequenti cambi di formazione (solo due componenti restano dalla formazione originale).

Questo loro volume e' piacevolissimo, specie per la varieta' delle atmosfere, che passano da brani di intima semplicita' ad altri piu' collettivi, che immaginiamo danzati in piazze medioevali durante gioiose celebrazioni.

Musica che rasserena la mente, ci porta a uno stato di calma imperturbabile dalla frenesia del mondo attorno a noi, generando uno stato di naturale equilibrio e di indipendenza di pensiero.

Molto piu' di un buon disco insomma. Provate ad ascoltare questo bel saltarello italiano, o magari questa istanpitta. Proprio altra musica, sentirete.

Possano queste aggraziate danze portare serenita' nel vostro fine settimana.

Richard Brooks, Cat on a hot tin roof (1958)

2011-08-03T22:44:00.006+01:00

Per tutto il mese di agosto il British Film Institute dedica una bella retrospettiva ai film interpretati dalla giovane e fascinosissima Elizabeth Taylor nel corso degli anni '50 e '60.

Ieri sera sono stato a vedere questo adattamento del capolavoro di Tennessee Williams, che avevo visto solo alla televisione, a pezzi e doppiato in italiano.

E' un film nel corso del quale succede molto poco: una pellicola di atmosfere piu' che di eventi. Quella che ci viene mostrata e' una serie di confronti tra componenti della stessa famiglia, famiglia che ruota attorno al patriarca Big Daddy e alla sua fortuna economica.

Big Daddy, inconsapevole malato terminale, compie gli anni, e cosi' figli e nipoti si ritrovano per festeggiarlo. L'armonia durera' pochissimo, e la riunione di famiglia sara' l'occasione per mettere in scena tensioni, bugie, ambizioni. Ma anche sincerita' e desiderio di ricucire relazioni.

Non manca qualche esagerazione di toni nella definzione dei personaggi, ma nel complesso la redenzione di Brick (uno strepitoso Paul Newman), che all'inizio del film affoga nella bottiglia il dolore per il suicidio del suo migliore amico, appare piuttosto credibile. E Big Daddy, con il suo disdegno per la falsita' del fratello di Brick e dell'ambiziosissima moglie, e' un personaggio difficilmente dimenticabile.

Mi fa piacere condividere qui il trailer.

Paolo Fresu, Musica dentro (Feltrinelli, 2009)

2011-07-30T00:36:00.007+01:00

Un minuto prima di lasciare Milano alla volta della mia vacanza toscana, mi sono accorto di non avere messo nello zaino nulla da leggere. Cosi' passando a prendere un pezzo di focaccia da mangiare in viaggio, sono entrato al Libraccio e ho preso questo libro.

Che se ne e' rimasto nello zaino per tutta la vacanza, e che ho letto, piu' o meno tutto d'un fiato, solo una volta tornato a Milano.

Paolo Fresu l'ho scoperto solo negli ultimi anni. Ne abbiamo parlato tante volte: la magnifica specificita' culturale italiana l'ho compresa, e ho iniziato ad amarla profondamente, solo andandomene. Prima non la capivo, come non si riesce a vedere cio' che ci e' troppo vicino.

Fresu e' molto apprezzato internazionalmente proprio come esponente di un patrimonio culturale e di valori che sono profondamente nostri ma che, a volte mi viene da pensare, all'estero sono molto piu' apprezzati che da noi.

Ogni nota suonata dal trombettista sardo mi sembra parlare di Mediterraneo. Un nome che, da quando me ne sono andato, mi trasmette sempre i brividi e che evoca un'idea di tempi lenti, buon cibo, familiarita', amichevolezza. Tutti valori che qui in Inghilterra mancano, che ci invidiano.

Il libro di Fresu e' da leggere sentendo la sua musica, naturalmente. Direi il suo disco di quest'anno, quello inciso con il coro corso A Filetta e con il fisarmonicista marchigiano Daniele di Bonaventura, che vi ho proposto a Prospettive Musicali, del quale vi parlai qui, e che non mi stanco mai di riascoltare. Musica che parla il linguaggio del mare, del vento, dei grandi spazi aperti.

Per questo il jazz mi ha cambiato la vita. Perche' mi ha dato modo di respirare attraverso le note la bellezza che c'e' intorno a noi e la speranza che sia possibile con la poesia e la creativita' cambiare cio' che bello non e'.

Potere della musica migliore, quella non compromessa con il mercato, le mode, l'effimero, il momento. Quella che e' linguaggio universale capace di unire geografie, spazi, tempi, esperienze, ricordi. Che accompagna i momenti migliori delle nostre vite, e rende sopportabili e leggeri tutti gli altri.

Ricardo Villalobos/ Max Loderbauer, Re: ECM (ECM, 2011)

2011-07-28T18:37:00.008+01:00

Ricordavo di avere letto da qualche parte che Ricardo Villalobos e' (insospettabilmente) un appassionato ascoltatore di dischi ECM. E oggi pomeriggio sono andato a scartabellare in libreria per rispescare l'articolo dove avevo letto questa cosa (Wire, agosto 2007):

Interestingly, Villalobos is a huge ECM fan. When I visit him in his studio, it's not minimal house but Dino Saluzzi's bandoneon that pours forth from the speakers, and when I interview him in his Kreuzberg living room - also equipped with an awe-inspiring surround-sound system, with a cozy, egg-shaped, carved wooden chair seated directly in front of the speakers, like some shamanistic command post - there are ECM CDs scattered all over the coffee table.

Solo uno che ama e comprende a fondo i dischi di quella che, lo avrete intuito se ascoltate Prospettive Musicali, e' la mia etichetta preferita, avrebbe potuto re-interpretarli creativamente come ha fatto Villalobos, con la collaborazione di Max Loderbauer (anche componente del trio di Moritz von Oswald).

Come afferma in questa intervista, i due si sono concentrati su particolari apparentemente insignificanti, spazi interstiziali, vuoti, e li hanno esaminati al microscopio, quasi a voler carpire il quietista segreto dell'etichetta tedesca.

Non e' un disco caldo, affatto. La superficie e' gelida, come se Villalobos e Loderbauer avessero inteso rendere futuribile la musica ambientale di Eno, asciugandola da ogni aspirazione melodica. In questo senso non comprendo bene quello che Villalobos intende quando, sempre nella stessa intervista, parla di aggiungere emozionalita' ai suoni da club: io di emozioni ne trovo pochissime in questa operazione (addirittura ne trovo di piu' nei sui DJ set, per dire).

Inoltre, per apprezzare i due dischi secondo me e' meglio lasciare perdere il confronto con gli originali. A parte forse solo la traccia da The jewel in the lotus di Bennie Maupin (disco fondamentale e inspiegabilmente ultra-sconosciuto), lasciata tale e quale, la maggior parte delle tracce sono rese abbastanza irriconoscibili dagli originali.

Detto tutto questo, il disco riesce a dire cose che nessuno aveva ancora detto, e di questi tempi e' difficile affermare qualcosa di simile. Il dialogo elettroacustico tra passato e futuro (ottenuto ignorando il presente, peraltro) a me sembra funzionare.

E' un esercizio un po' intellettuale, specialmente per chi conosce e ama gli originali, ma agli ascoltatori piu' curiosi e coraggiosi di voi sono sicuro che queste sghembe e spaziali geometrie figlie dei migliori Popol Vuh aggraderanno parecchio.

Questa traccia (la piu' ritmica dell'album) e' quella che abbiamo ascoltato insieme in apertura di Prospettive Musicali di domenica scorsa.

Prospettive Musicali del 24 luglio 2011

2011-07-24T00:44:00.008+01:00

Vacanze finite, domani ricomincia una quotidianità che non mi manca affatto. Stasera mi piacerebbe farvi ascoltare la musica che è stata la colonna sonora delle ultime due settimane. Buon ascolto.

1) RICARDO VILLALOBOS/ MAX LODERBAUER
Recat
da Re: ECM
(ECM, 2011)

2) JUANA MOLINA
El cristal
da Tres cosas
(Domino, 2002)

3) HUBERT PORTER
Not me
da VV. AA. Jamaica-mento 1951 - 1958
(Frèmeaux & Associès, 2010)

4) JOHN WILLIAMS
Prelude to a song
da From a bird
(John Williams, 2008)

5) RICARDO VILLALOBOS/ MAX LODERBAUER
Retimeless
da Re: ECM
(ECM, 2011)

6) NIRMALA RAJASEKAR
Jaya jaya nattai khanda chapu
da Into the raga
(Innova, 2010)

7) INSIEME STRUMENTALE DI ROMA
Sonata n. 1 in sol maggiore adagio
da Tomaso Albinoni sinfonie e concerti op. 2
(Stradivarius, 2006)

8) HIS MAJESTYS SAGBUTTS AND CORNETTS
Sonata a 6
da Grand tour music from 16th- & 17th-century Italy, Spain and Germany
(Hyperion, 1996)

9) ROBIN WILLIAMSON
The journey
da Skirting the river road
(ECM, 2002)

10) RICARDO VILLALOBOS/ MAX LODERBAUE R
Reemergence
da Re: ECM
(ECM, 2011).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM, 107.6, e in rete, qui.

Prospettive Musicali del 10 luglio 2011

2011-07-07T00:39:00.007+01:00

1) ROBIN WILLIAMSON
Here to burn
da Skirting the river road
(ECM, 2002)

2) INCREDIBLE STRING BAND
October song
da The Incredible String Band
(Elektra, 1966)

3) LUNAR SAXOPHONE QUARTET
On song
da These visions
(Signum Classics, 2010)

4) HIS MAJESTYS SAGBUTTS AND CORNETTS
Sonata a 6
da Grand tour music from 16th- and 17th-century Italy, Spain and Germany
(Hyperion, 1996)

5) ROBIN WILLIAMSON
Infant joy
da Skirting the river road
(ECM, 2002)

6) INSIEME STRUMENTALE DI ROMA
Sonata n. 1 in sol maggiore allegro
da Tomasi Albinoni sinfonie e concerti op. 2
(Stradivarius, 2006)

7) CUARTETO CASALS
String quartet no. 4 allegro
da Bartòk, Kurtàg, Ligeti metamorphosis
(Harmonia Mundi, 2010)

8) PASCAL SCHUMACHER QUARTET
Water like stone
da Bang my can
(Enja, 2011)

9) ZIIADA SHERAPOVA
Bolmasa
da VV. AA. Karakalpakistan - la voix des ancestres
(Buda, 2008)

10) ROBIN WILLIAMSON
Dalliance of eagles
da Skirting the river road
(ECM, 2002).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 in FM, 107.6, e in rete, qui.

Engadina Calling verrà aggiornato regolarmente a partire da domenica 24 luglio, quando ritornerò anche a condurre Prospettive Musicali.

Quella sera ascolteremo le alchimie elettroniche di Ricardo Villalobos e Max Loderbauer, un po' di mento dalla Giamaica degli anni '50 e musica classica contemporanea indiana.

A tutti, auguri di buona estate.

Anteprima Prospettive Musicali e Freedom Jazz Dance

2011-07-07T00:21:00.005+01:00

Questa domenica tocchera' a me condurre Prospettive Musicali.

Ascolteremo insieme alcune poesie di William Blake e di Walt Whitman recitate e musicate da Robin Williamson, musica contemporanea pastorale dal Galles con una composizione di John Metcalf, e un po' di musica italiana del '600 e del '700.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche di Radio Popolare, va in onda tutte le domeniche alle 22.35, in FM sui 107.6 e in rete qui.

E quest'estate Prospettive Musicali raddoppia. Il mio collega e amico Gigi Longo conduce Freedom Jazz Dance, tutti i giovedi' alle 22.40.

Ecco la nota che ha mandato Gigi, al quale Engadina Calling rivolge un forte in bocca al lupo:

Note blu dagli anni ’70 e dintorni.
Il jazz della protesta sociale e politica afroamericana e quello legato alle culture giovanili e alla commistione tra i generi musicali del tempo.
Il Miles Davis elettrico e la genìa di suoi figlioletti, ma anche le etichette discografiche della cultura alternativa e radicale afroamericana.
I Cacciatori di teste di Herbie Hancock, e le riletture del repertorio hendrixiano in chiave elettrica orchestrale di Gil Evans.
Composti jazzisti che si reinventano freakettoni con tanto di bandana sul capello lungo e stilosi musicisti dell’Africa occidentale dal look modaiolo e dai suoni attualissimi.
Chitarre elettriche e sassofoni a confronto con sitar e tablas e la grande stagione del rock jazz progressive europeo …

Insieme Strumentale di Roma, Tomaso Albinoni sinfonie e concerti op. 2 (Stradivarius, 2006)

2011-07-01T00:00:00.006+01:00

Continuano i suggerimenti di ascolti classici qui in Engadina: ammetto di avere preso particolarmente gusto in questa esplorazione di un territorio per me ancora piuttosto nuovo, nei confronti del quale ho ancora molto da apprendere.

Non mancano ottimi maestri dai quali volentieri mi lascio accompagnare e consigliare, tra i quali l'ottimo Massimo, un blogger che seguo da molti anni (il suo blog ha da poco compiuto 7 anni, ed e' quindi coetaneo di Engadina Calling), che recentemente segnalava proprio questo volume di sinfonie e concerti di Tomaso Albinoni, compositore veneziano del periodo barocco. Con grande competenza: rimando al suo post per un commento critico all'ascolto (e lo ringrazio di cuore per la segnalazione).

Da parte mia, come ho gia' osservato in passato parlando qui di lavori di Bach e soprattutto di Biber, la modernita' della musica barocca mi sa sempre stupire. E mi generano sorpresa le emozioni purissime che suscita, come se sapesse portare in superficie naturalmente la parte piu' autentica e incontaminata del nostro essere. Un livello di sentire che spesso dimentichiamo di possedere.

Uno stato armonico che proviene da dentro di noi e si proietta tutt'attorno, facendoci percepire il mondo interiore e quello esteriore con straordinaria limpidezza. Lo stesso effetto che fanno una passeggiata nel silenzio della montagna, o una navigazione a vela in mezzo al mare, ma senza bisogno di muoverci dal nostro soggiorno.

Per darvi una dimostrazione di quello che intendo, se trovate un po' di tempo questo fine settimana suggerisco di ascoltare insieme questa magnifica Sonata a Cinque in C Major Op. 2 No. 2.

Eddy Cattaneo, Mondo via terra (Feltrinelli, 2011)

2011-06-29T23:19:00.008+01:00

Chi mi vuole bene sa che cosa mi fa piacere ricevere in regalo: un bel libro. Un regalo pensato per farmi trascorrere ore piene di immaginazione, e farmi scoprire qualcosa che non conoscevo.

Questo Mondo via terra e' un diario di viaggio, scritto da un ragazzo che ha realizzato il suo sogno di bambino: quello di fare il giro del mondo senza mai prendere un aereo.

Perche' si parte? Forse per riempire una mappa vuota, per perdersi o forse solo per giocare in un prato piu' grande. Non lo so. So solo che questa volta non mi voglio dare nessun limite.

Ci ha messo 15 mesi, ha preso 22 mezzi diversi (dal treno alla bicicletta, dalla canoa al cavallo, dallo scooter al cargo transoceanico). Il suo spirito di viaggiatore positivo ed empatico, dalla prima all'ultima pagina, dalla megalopoli al villaggio, gli ha permesso di uscire indenne da ogni difficolta'.

Soprattutto, l'ha fatto entrare in relazione immediata con ogni luogo, citta', strada, villaggio, persona incontrata sul suo percorso. Mantenendo uno sguardo limpido, disponibile a capire, interpretare, entrare dentro le cose lasciandosi coinvolgere, trasportare. Senza opporre controproducenti resistenze.

Amo questa vita. Viaggiare. Mangiare la strada, morderla. Respirare ogni giorno aria diversa, come se il cielo fosse una piscina che la notte viene svuotata per essere riempita di nuovo la mattina.

Collezionare attimi di bellezza per un mosaico che lentamente vada a coprirmi gli occhi, una coperta da conservare e all'occorrenza stendere quando intorno sembra che tutto ti venga addosso.

Lo stile del diario, descrittivo ma mai pedante, e' quello di un viaggiatore curioso, attento al lato umano tanto quanto a quello paesaggistico, come dimostrano le sue emozionanti fotografie di viaggio.

Se siete interessati e lo contattate, Eddy vi manda l'elenco delle citta' dove sta presentando il libro: magari c'e' anche la vostra.

Jose' Luis Garci, Volver a empezar (1981)

2011-06-24T21:37:00.004+01:00

La magnifica rassegna Good morning freedom, in corso al British Film Institute e dedicata al cinema spagnolo del periodo che vide la fine del franchismo e il ritorno alla vita democratica in quel Paese, e' un'autentica delizia.

Oltre ai capolavori di maestri quali Carlos Saura, Victor Erice, Pedro Almodovar, si possono scoprire film ormai dimenticati e mai restaurati. E' il caso di questa pellicola, che nel 1982 vinse un Oscar come miglior film straniero, prima di sparire nel nulla.

E' un film molto toccante, che alla fine ha costretto anche me a versare qualche lacrimuccia di commozione. La storia di uno scrittore e professore universitario che dopo aver vissuto in esilio negli Stati Uniti i quarant'anni di dittatura, sentendo la fine avvicinarsi torna qualche giorno nella sua citta', Gijon.

Qui ritrovera' la donna che amo' in gioventu', e che non ha mai smesso di amare. Insieme faranno un breve viaggio, rivivendo il passato. Sapendo, entrambi, che non puo' che trattarsi di una parentesi, per quanto significativa, all'interno delle loro vite adulte.

Un film sulla brevita' della vita, e contemporaneamente sul caldo conforto dei ricordi, che cita Johann Pachelbel, Cole Porter e William Wordsworth:

Though nothing can bring back the hour
of splendour in the grass, of glory in the flowers;
we will grieve not, rather find
strength in what remains behind.

Cuarteto Casals, Bartok, Kurtag, Ligeti metamorphosis (Harmonia Mundi, 2010)

2011-06-22T22:58:00.009+01:00

Sono serate strane queste. Molto luminose: ho letto in terrazzo fino a oltre le 22 sfruttando la luce naturale. Eppure, contrariamente a quello che succedeva gli altri anni in questa stagione, fa ancora decisamente freschino, come se qualcuno avesse spostato Londra su una montagna.

La musica che gira in casa riflette il tempo atmosferico, come sempre accade qui. L'anno scorso di questi tempi ascoltavamo musiche africane, brasiliane, giamaicane. Quest'anno non riesco a staccarmi dalla sezione classica della mia raccolta di dischi, sezione che in genere in giugno non viene quasi toccata.

Stasera in particolare ho riascoltato questo volume, che contiene tre quartetti d'archi, scritti a distanza di anni dalle tre pietre miliari della musica ungherese del '900 (Bartok, quartetto numero 4, 1928; Ligeti, quartetto numero 1, 1953 - 54; Kurtag, Microludi, 1977 - 78).

E' un disco di una vivacita' straordinaria, che contiene una sequenza di umori e colori in rapida, dinamica trasformazione, come il titolo del lavoro suggerisce.

Dei tre quartetti, il mio preferito resta quello composto da Bartok, del quale qui potete ascoltare i primi due movimenti. La descrizione presente aprendo la tendina sotto all'immagine e' scritta molto bene ed e' un'introduzione molto migliore di quella che potrei fare io.

Non mi resta che augurarvi buon ascolto.

Lunar Saxophone Quartet, These visions (Signum Classics, 2010)

2011-06-21T00:18:00.012+01:00

Scriveva oggi il mio amico A.: è buffo, se vogliamo, ma le persone che di tutte le musiche ascoltano solamente quella piccolissima fetta che entra nelle classifiche occidentali tendono a considerare i propri gusti come un campo ampio e a rinchiudere il restante 90% della musica in un unico genere (tipo "stranezze", "musiche da fissati" ecc.).

E a proposito di classifiche occidentali oggi guardavo per curiosita' quelle inglesi di Amazon. Davvero non riesco a comprendere. Al primo posto troviamo Adele, che per chi avesse la fortuna di non averla mai ascoltata, e' una specie di Susan Boyle in versione giovane, per inglesi di bocca buona. Al secondo posto ecco il vocino frignante di Bon Iver. Al terzo, ancora, Adele. Ma com'e' possibile che tante persone si sottopongano volontariamente a simili supplizi?

La cosa e' tanto piu' incomprensibile quando si pensa che in questo Paese le alternative esistono. La sera, BBC Radio 3 trasmette fantastici programmi dedicati a jazz, avanguardie, musiche popolari del mondo, classica contemporanea. Wire e' ampiamente disponibile in molte edicole. Il mail order delle etichette e dei negozi indipendenti funziona in genere molto bene. Il Barbican e il Southbank hanno programmi di concerti di prim'ordine e molto eclettici, che spaziano tra nomi molto noti e artisti giovani.

Se si presta attenzione, ad esempio, si scoprono con discreta facilita' dischi come questo secondo album del quartetto di saxofoni lunari (il migliore secondo me della loro discografia, che al momento comprende tre volumi: oltre a These visions, Catching sunlight del 2008 e Flux del 2011, nel quale eseguono diverse composizioni di Keith Tippett).

Musica davvero altra, coraggiosa eppure molto piacevole, al tempo stesso naturale e misteriosa. Jazz contemporaneo da camera eseguito con quattro saxofoni che dialogano tra loro e con i compositori contemporanei britannici (soprattutto gallesi, come gallese e' il Lunar Saxophone Quartet) dei quali eseguono le musiche.

Spesso il percorso compositivo e' eseguito insieme, da compositori e musicisti, che adattano i rispettivi linguaggi.

Non trovo nulla da questo album disponibile legalmente in rete, ma questa traccia, non presente su alcuno dei loro dischi, mi piace molto.

Alle ortiche una volta per tutte le lagne trite e onnipresenti di Bon Iver, Fleet Foxes, Arcade Fire: lasciamo che la musica ci sorprenda e ci emozioni.

Jonny Greenwood, Norwegian wood OST (Nonesuch, 2011)

2011-06-12T16:17:00.004+01:00

Sembra una domenica di fine ottobre, piove e il cielo e' grigio. Io che di solito Internet la domenica non so nemmeno se esiste, oggi non riesco a staccarmi, in attesa dei dati sull'affluenza alle urne.

Da una mia stima tra amici e conoscenti, non sono molti gli italiani all'estero che si sono preoccupati di iscriversi all'apposito registro anagrafico che consente di ricevere le schede elettorali e votare comodamente dal proprio soggiorno. Direi che siamo attorno al 15-20 per cento, forse un po' di piu' tra chi e' qui da almeno 2 o 3 anni.

Poi vanno presi in considerazione quelli che cambiano indirizzo e non lo dichiarano subito, la disorganizzazione dei consolati (quello di Londra e' un delirio), qualche disguido postale, e il quadro e' completo: gli italiani all'estero sono un reale ostacolo al raggiungimento del quorum necessario alla validita' di questa fondamentale tornata referendaria.

Tra l'altro una delle schede che noi abbiamo votato (quella contro le centrali nucleari) e' stata invalidata, perche' contenente un quesito poi superato. Non e' chiaro se, almeno per questo quesito, verremo esclusi dalla base elettorale, come e' logico che sia.

Intanto, li' da voi sono quasi le 18, ma il dato (incoraggiante) del Viminale e' sempre fermo alle 12...

Mentre aspetto, leggo e ascolto un po' di musica. Pensavo oggi ascoltando la colonna sonora di Norwegian wood (ascolto frequente di queste settimane) che non avrei mai immaginato di provare fastidio ascoltando i Can, e invece sta succedendo. Non capisco davvero cosa c'entrino i Can con Murakami: se qualcuno ha visto il film me lo dice? Perche' io non ricordo che fossero citati in nessuno dei suoi libri, men che meno Norwegian wood.

Soprattutto non capisco che senso abbia intervallare la magnifica musica contemporanea scritta per il film da Jonny Greenwood, distesa evocazione delle composizioni di Gorecki e Penderecki per orchestra d'archi alle quali Greenwood sovrappone delicati e composti sapori d'oriente, con tre stranoti pezzi dei Can, che spezzano inutilmente l'atmosfera.

Consiglio di farsi da se' un disco con tutte le tracce di Greenwood in sequenza, per non disturbare inutilmente il flusso delle emozioni.

Questa e' una delle tracce che preferisco (la trovate anche in questa puntata di Prospettive Musicali), questo il trailer del film e questa una magnifica traccia estratta dalla colonna sonora, anche quella scritta da Jonny Greenwood, di There will be blood.

Ma non distraiamoci troppo, tra poco dovrebbero uscire i dati aggiornati sull'affluenza alle urne, e in questo soggiorno di una Clerkenwell bagnata di pioggia la tensione e' altissima.

Nirmala Rajasekar, Into the raga (Innova, 2010)

2011-06-09T23:25:00.007+01:00

Sono tornato a Londra martedi' e mi sono preso subito qualche acciacco: un forte raffreddore, mal di gola, un po' di febbre. In questo stato di debolezza fisica, riesco solo ad ascoltare musica che si deposita tutt'attorno con leggerezza, accarezzando gentilmente la mente.

Come per esempio la musica classica indiana, in particolare quella carnatica, piu' pura e pacifica, meno contaminata dalle tradizioni islamiche rispetto alla musica industana che si sviluppo' nelle regioni settentrionali.

Ascolto e riascolto questo bel volume di composizioni classiche, inciso dalla regina della veena, una specie di sitar a 21 corde e senza tasti, di grande complessita'. Che si fa accompagnare da strumenti altrettanto tradizionali: il violino indiano e due percussioni, il mridangam (che sembra un po' una tabla) e il ghatam (percussione tonale che ricorda nella forma un'anfora).

Questo In the raga, pubblicato l'anno scorso dalla sempre eccellente Innova, l'etichetta dell'American Composers Forum, si compone di dieci composizioni/ improvvisazioni distese, che generano un'atmosfera soffice non particolarmente diversa da certi dischi di contemporanee musiche ambientali (Brian Eno, Aphex Twin).

Mentre galleggiamo insieme sulle note di questo meditativo raga, vado a prepararmi l'ennesima tazza di te' verde di questa giornata, sperando mi passi questo fastidioso mal di testa.

Prospettive Musicali del 5 giugno 2011

2011-06-05T20:00:00.009+01:00

La felicità per la vittoria elettorale ha lasciato il passo a giornate bagnate di pioggia, dal sapore quasi autunnale, che mi hanno ispirato questa playlist:

1) JONNY GREENWOOD
Mou sukoshi jibun no koto
da Norwegian wood OST
(Nonesuch, 2011)

2) PAL MODDI KNUTSEN
Magpie eggs
da Floriography
(Impeller, 2010)

3) TRIO MEDIAEVAL
Gloria
da A Worcester ladymass
(ECM New Series, 2011)

4) ACCENTUS, ERIC ERICSON
Sydameni laulu
da North
(Naive, 2005)

5) JONNY GREENWOOD
Mata aini kuru kara ne
da Norwegian wood OST
(Nonesuch, 2011)

6) PAOLO FRESU/ A FILETTA/ DANIELE DI BONAVENTURA
Rex tremendae
da Mistico Mediterraneo
(ECM, 2011)

7) STEPHAN MICUS
Spring dance
da Bold as light
(ECM, 2010)

8) WOLFERT BREDERODE QUARTET
Meander
da Post scriptum
(ECM, 2011)

9) LESZEK MOZDZER
Mazurka op. 24 no. 2 ut majeur
da Impressions on Chopin
(Naive, 1999).

Ascolta.

Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche, va in onda tutte le domeniche alle 22.35 su Radio Popolare, FM 107.6.

Prospettive Musicali del 29 maggio 2011

2011-05-29T20:18:00.007+01:00

E' una grande emozione pensare che da domani la nostra città potrebbe diventare un bel laboratorio di politiche urbanistiche ecologiche, accoglienza delle diversità, giustizia redistributiva.

Naturalmente in diretta non posso esprimere liberamente questo pensiero (siamo in silenzio elettorale), ma a voi lettori posso confessarlo. E' stato un piacere votare e fermarmi a parlare un po' con i cordiali rappresentanti del Comitato per Pisapia, al seggio dove ho votato (quello di via Vigevano), che mi hanno fatto una gran festa quando ho detto che sono arrivato da Londra per sostenere Giuliano.

Stanotte il menù di Prospettive Musicali prevede:

1) GROUPER
Alien observer
da AIA alien observer
(Yellow Electric, 2011)

2) CHRIS THILE AND MICHAEL DAVES
Cry, cry darling
da Sleep with one eye open
(Nonesuch, 2011)

3) GUY CLARK
The guitar
da Somedays the song writes you
(Dualtone, 2009)

4) CARTER FAMILY
Little darling pal of mine
da VV. AA. Beginner's guide to americana
(Nascente, 2010)

5) GROUPER
She loves me that way
da AIA alien observer
(Yellow Electric, 2011)

6) MERLE HAGGARD & GEORGE JONES
A taste of yesterday s wine
da VV. AA. Beginner's guide to americana
(Nascente, 2010)

7) KLEZMATICS
Fun tashlikh
da VV. AA. Klezmer
(Rough Guides, 2000)

8) SEAMIE O'DOWD MAIRTIN O'CONNOR CATHAL HAYDEN
Crossroads
da Crossroads
(MCS, 2008)

9) NICK DRAKE
River man
da Made to love magic
(Island, 2004).

Potete riascoltare e scaricare la puntata da qui.

Prospettive Musicali torna tra 7 giorni, domenica 5 giugno alle 22.35, su Radio Popolare. Ascolteremo qualche traccia dalla colonna sonora di Norwegian Wood, una composizione di Sibelius, uno degli esperimenti di Stephan Micus con strumenti trovati nel corso dei suoi viaggi, e altro ancora. Come sempre, altre musiche senza confini spazio-temporali.

[La foto che accompagna questo post, l'ho scattata lunedi' 30 maggio, nella sala stampa del Comitato per Pisapia sindaco, appena dopo la vittoria].

Guy Clark, Somedays the song writes you (Dualtone, 2009)

2011-05-22T00:23:00.009+01:00

E' da qualche giorno che non riesco a togliere dallo stereo l'ultimo lavoro pubblicato da Guy Clark (nome che peraltro mi sono stupito di non avere trovato in questa raccolta).

Il cantautore (e liutaio) texano, che quest'anno compira' settant'anni, e' autore di un country acustico e rilassato, classico e melodico, che suona da quasi otto lustri, con minime variazioni e immutata passione. Espressione sincera dell'America profonda e rurale, quella piu' vera.

Questo Somedays the song writes you e', nella sua semplicita', un disco che mette in pace col mondo, e invita a prendersi tempo.

Il suo migliore amico era la leggenda Townes Van Zandt, e per ricordarlo Clark ne interpreta spesso le canzoni. In questo disco il privilegio tocca alla bellissima If I needed you.

Molto semplici ma evocative le armonie vocali, quando Clark e' accompagnato da Bryn Davies (una specie di giovane Emmylou Harris, bravissima).

Musica americana classica, suonata impeccabilmente. Sentite che meraviglia questa traccia intitolata semplicemente The guitar (davvero superlativi i dialoghi tra chitarre, ma ascoltate anche il testo, perche' e' una storia un po' creepy ma bellissima).

PS del 27 maggio: a Milano, per votare per Giuliano, dopo che ieri a Londra ho votato (postale, dal mio soggiorno) per i 4 referendum (acqua, nucleare, legittimo impedimento). Credo di essere stato uno dei primi votanti del mondo, dato che le schede sono partite dal consolato mercoledi', e i miei 4 si' sono stati spediti ieri mattina.

Approfitto del mio viaggio elettorale in Italia per condurre Prospettive Musicali, questa domenica. Ascolteremo insieme la sound art west coast di Grouper, un po' di musica per grammofono registrata nell'America rurale negli anni '20, un po' di klezmer da New York City, del folk irlandese incontaminato da Galway e molto altro ancora.

Se volete partecipare al nostro viaggio spazio-temporale-musicale senza confini, sintonizzatevi su Radio Popolare, 107.6 in modulazione di frequenza, domenica alle 22.35.

Leszek Mozdzer, Impressions on Chopin (Naive, 1999)

2011-05-18T22:47:00.007+01:00

Sono reduce da visita e commento a un blog che leggo da anni e che ha minacciato la chiusura.

In fondo, pensavo accingendomi a scrivere questo post, parlare delle interpretazioni di Chopin eseguite da Mozdzer e' la perfetta quadratura del cerchio: significa tenere aperto un blog assicurandosi contemporaneamente che non lo legga piu' nessuno.

Questo disco l'ho sentito una notte di qualche tempo fa trasmesso da BBC Radio 3 e mi ha letteralmente folgorato. Leszek Mozdzer e' un pianista polacco quarantenne, che si muove agilmente tra ensemble da camera e formazioni jazz (ha suonato con il decano del jazz polacco Tomasz Stanko, e internazionalmente con Lester Bowie, Joe Lovano, Archie Shepp).

In questo album, considerato il suo capolavoro, esegue una serie di improvvisazioni a partire dal repertorio di Frederic Chopin. Che viene stravolto, come se i notturni, le mazurke, gli studi del compositore polacco venissero suonati da Chick Corea (il riferimento direi piu' prossimo dello stile di Mozdzer) e Herbie Hancock.

A rendere ancora piu' interessante il disco sono le collaborazioni con un suonatore di tombak, percussione usata nella musica classica persiana, l'iraniano Madjid Khaladj.

Questo e' un frammento tratto da un programma della televisione polacca.

Beginner's guide to americana (Nascente, 2010)

2011-05-15T14:33:00.005+01:00

Pensate ai generi che si sono succeduti in Nord America durante lo scorso secolo, dal country al rock'n'roll, dal delta blues al cajun, dal gospel all'hillbilly, dal bluegrass al soul: uno dei patrimoni musicali piu' ricchi dell'umanita'. Di fronte al quale siamo sempre in qualche modo principianti: c'e' sempre qualcosa ancora da esplorare, scoprire, approfondire.

Magari anche solo una lirica. E infatti i temi trattati dai country singers e dai bluesman sono di una bellezza assolutamente struggente: canzoni d'amore assoluto, di vagabondaggio, di fratellanza, di gelosia, di protesta. Canzoni che parlano di vita vissuta fino alle sue estreme conseguenze.

Questa raccolta (tre dischi pagati complessivamente 4 sterline e 89, pubblicati da Nascente) e' assolutamente formidabile. Non potrebbe essere diversamente, dato che attinge a piene mani dalle collezioni dei principali musicologi americani del secolo scorso: Alan Lomax, Harry Smith, Art Rosenbaum, Chris Strachwitz. Gente che l'America l'ha percorsa tutta per strade secondarie di campagna, alla ricerca delle sue radici rurali piu' autentiche.

Il primo disco parte dagli anni '20 e arriva fino alla seconda guerra mondiale: folk, blues e country primitivi, registrati approssimativamente, pieni di un fruscio attraverso il quale si fanno strada armoniche e mandolini: per queste orecchie, il paradiso. Charley Patton, la Carter Family, gli Heavenly Gospel Singers, Blind Willie Johnson, Lead Belly, Muddy Waters, Woody Guthrie, Robert Johnson sono alcuni dei nomi inclusi.

Il secondo disco parte dalla seconda guerra mondiale e arriva fino agli anni '70. Inizia con il divino Hank Williams e arriva fino a Emmylou Harris (con la sua versione di Sin City, firmata da Gram Parsons e Chris Hillman). In mezzo troviamo, tra gli altri, Odetta, Johnny Cash, Chuck Berry, Willie Nelson, Aretha Franklin, la Band, Al Green, Townes Van Zandt, e tanti altri.

Il terzo disco, dedicato al post-punk, soffre un po' la difficolta' di ottenere diritti di stampa quando ci si avvicina al presente. E infatti se non mancano brani di Meat Puppets (dal loro memorabile secondo disco), Wilco, Steve Earle, Calexico, ci si domanda che fine abbiano fatto, giusto per fare un paio di nomi, i Gun Club e Will Oldham.

Ma non sottilizziamo: si tratta pur sempre di una delle migliori raccolte del suo genere, e un viaggio emozionante dalla prima all'ultima nota.

Come cantava Johnny Cash, get rhythm, when you get the blues!

Wolfert Brederode Quartet, Post scriptum (ECM, 2011)

2011-05-11T22:37:00.001+01:00

Empty spaces. That's the commanding association of the ECM label. Tundra, taiga, a fjord with an Aeolian harp at its head, clean and minimalist modern design, the Zen state.

- Wire, Giugno 2011

Negli spazi vuoti, i sensi si amplificano, perche' non sentono il bisogno di difendersi, non impiegano energie per selezionare e tagliare frequenze. Gli spazi vuoti rilassano la mente, e quando la mente e' rilassata genera naturalmente pensieri positivi, idee, progetti.

I dischi ECM ci proiettano in uno spazio di silenzio, colori primari, interferenze minime. E' uno spazio sobrio, essenziale, di quieta e semplice eleganza.

Musica davvero altra, rigorosa e emozionante al tempo stesso. Coerente e continua, sostenibilmente evolutiva. Musica da camera contemporanea, che affonda le radici in pari misura nella tradizione barocca (modernissima, come ho spesso scritto qui e dimostrato a Prospettive Musicali), nel jazz europeo, nel minimalismo.

Il pianista olandese Wolfert Brederode lo incontrai per la prima volta una decina di anni fa, in un disco della cantante e compositrice svizzera Susanne Abbuehl (April, ancora oggi un ascolto piacevolissimo). Il progetto che da alcuni anni sta realizzando e' un quartetto formato con il clarinettista Claudio Puntin, con il batterista Samuel Rohrer (entrambi svizzeri, il secondo, che partecipo' alle sessioni di April, e' anche un componente del trio di Colin Vallon) e con il contrabbassista norvegese Mats Eilertsen (collaboratore di Trygve Seim, che gli ascoltatori di Prospettive Musicali dovrebbero avere imparato a conoscere ormai molto bene).

Post scriptum, il loro secondo lavoro, mette insieme brani composti per lavori teatrali e performance di danza contemporanea e altri scritti per l'occasione. Si muove in equilibrio tra composizione e improvvisazione misurata.

Si apre con questa traccia quieta e atmosferica intitolata Meander.

Bernardo Bertolucci, Il conformista (1970)

2011-05-06T23:25:00.004+01:00

Rivedendo Il conformista, qualche sera fa, pensavo a quanto questo film di oltre quarant'anni fa sia ancora attualissimo. Non e' cosi' scontato. Pellicole girate nello stesso periodo, e che dovevano essere sembrate ben piu' originali, sono invecchiate molto prima.

Pensate, non so, a Blow-up, Easy rider, If. Magnifici certo, ma che rivisti oggi sembrano completamente cristallizzati nell'epoca che li ha generati.

Il conformista invece racconta quello che abbiamo attorno. Di professor Quadri, per fortuna, nel nostro Paese non ne mancano. Sono defilati, poco visibili, tenuti in disparte. Li senti parlare a Fahrenheit e a Radio Popolare.

Ma ci sono tanti, troppi Clerici: grigi burocrati del potere pronti a eseguire qualsiasi ordine.

L'esecuzione nel bosco e' girata con una fredda eleganza che mi ha ricordato il primo Truffaut (quello di Tirez sur le pianiste ad esempio), impreziosita dalla fotografia di Storaro (in quella che mi pare di ricordare sia stata la prima collaborazione con Bertolucci).

Questa bella intervista e' uscita oggi su Il venerdi ' di Repubblica, a pochi giorni dal palma d'oro alla carriera (a proposito, ho appena visto che Il conformista sara' riproiettato quest'anno proprio durante il festival).

Bernardo Bertolucci, Io ballo da sola (1995)

2011-05-05T00:00:00.007+01:00

Dall'ultima volta che ho scritto, sono stato al cinema quasi tutte le sere, per il ripasso dell'opera omnia di Bertolucci del quale vi dicevo qualche giorno fa.

Leggevo proprio in questi giorni una bella intervista, pubblicata in questo volume, nella quale Bertolucci sostiene che dopo la trilogia orientale (the terrible weight of the epic frescos) senti' il desiderio di scrivere quello che definisce un pezzo di musica da camera.

Nacque cosi' Io ballo da sola, un film che, sempre nelle parole del regista doveva possedere una leggerezza mozartiana, pesare pochi grammi. Interessante che per desiderare dirigere un film come questo, quasi indie, sia dovuto passare attraverso l'ipercolossale produzione di L'ultimo imperatore, film, almeno per il mio gusto, davvero stucchevole.

Se questa era l'intenzione, allora Io ballo da sola e' una pellicola molto riuscita, che con grande leggerezza comunica contemporaneamente gioia di vivere e anche la fugacita' della vita stessa (attraverso il personaggio interpretato da Jeremy Irons).

Mi e' sembrato anche un film di fascinose luci, spesso radenti, con un equilibrio molto riuscito tra dialoghi, silenzi, musiche scelte con gusto raffinato.

L'altra cosa che mi ha colpito e' il fatto che il ritorno in Italia di Bertolucci sia avvenuto attraverso lo sguardo di personaggi stranieri, artisti che il nostro Paese lo scelgono per il buon vivere e per estraniarsi dal mondo (anglosassone in questo caso). Mi ha colpito perche' e' proprio il modo nel quale anche io vedo il Paese dove sono nato, ogni volta che ci torno. Una scoperta, perche' per me oggi l'Italia e' un luogo di piccole gioie quotidiane, tante cose che prima di emigrare davo per scontate.

Per tanti particolari, direi che solo chi e' stato per molto tempo lontano dall'Italia avrebbe potuto pensare e realizzare un film come Io ballo da sola.

Bravissima, dall'inizio alla fine, Liv Tyler (che probabilmente non fa molto piu' che interpretare se stessa).

Io ballo da sola mi ha comunicato un'enorme vitalita' (e la comunita' di artisti mi ha ricordato tantissimo quella del mio amico P., nella sua bella casa di Vizzola, che sembra tanto quella del film). Se pensate di rivederlo, cercate la versione originale in inglese: ho visto in rete il trailer con la recitazione doppiata in italiano e mi e' sembrato insostenibile.

Magistrale, poi, l'uso di questa canzone, che sembra stata scritta proprio per questo film.

Bernardo Bertolucci, Prima della rivoluzione (1964)

2011-04-29T23:14:00.005+01:00

La retrospettiva lunga due mesi che il mio cinema preferito sta dedicando a Bertolucci (che come avrete letto verra' premiato con la Palma d'oro alla carriera, tra qualche giorno a Cannes) permette un bel ripasso dei suoi classici. Soprattutto dei suoi primi lungometraggi, molto influenzati dalla nouvelle vague (dal realismo di Godard in questo caso), che non vedevo da molti anni.

Prima della rivoluzione resta sicuramente il film piu' riuscito tra quelli girati da Bertolucci negli anni '60, originale nel linguaggio e provocatorio nel tema. Con il personaggio di Fabrizio, il regista di Parma affronta la questione se un'educazione borghese, rinforzata dall'esperienza di vita in una citta' di provincia, ci permetta poi di sviluppare valori diversi (nel caso di Fabrizio, marxisti).

Non credo il film vada letto troppo letteralmente, oggi (anche se le immagini del festival de L'Unita' si sono trasformate in un tenerissimo ricordo/ omaggio). La domanda centrale del film e' pero' ancora attuale, almeno per la nostra generazione, nonostante oggi il proletariato non sia piu' quella forza rivoluzionaria che e' stato negli anni '60 e '70.

Tutta l'ambiguita' e l'ipocrisia borghesi espresse cosi' bene da Bertolucci pero' sono sopravvissute ai cambiamenti, e l'amara conclusione del film resta un monito ancora oggi rilevante.

Tra vent'anni Anna Karina sara' come per noi oggi Louise Brooks, rappresentera' un'epoca intera, Il cinema e' un fatto di stile e lo stile e' un fatto morale e Non si puo' mica vivere senza Rossellini invece hanno davvero, con tutta l'ironia del mondo, precorso i tempi.

Memorabili i versi tratti da La religione del mio tempo di Pier Paolo Pasolini.

Deliziosa la colonna sonora di Ennio Morricone e Gino Paoli.

Pal Moddi Knutsen, Floriography (Impeller, 2010)

2011-04-28T23:50:00.005+01:00

Sono convinto che se Nick Drake fosse giovane oggi, non suonerebbe molto diverso dall'esordio in studio di questo cantautore norvegese, che arriva dalla sperduta isola di Senja.

Floriography e' un disco malinconico, che mischia tradizionale folk e moderne atmosfere Constellation. Moddi lo e' andato a registrare in Islanda, con la supervisione di Valgeir Sigurdsson, regolare collaboratore di Bjork e produttore di quel capolavoro che e' The letting go di Bonnie Prince Billy.

La musica e' fatta di pochissimo, per lo piu' una fisarmonica (suonata dallo stesso Moddi) e archi. Su queste basi essenziali, il giovane norvegese canta poesie che sono inni alla natura incontaminata.

Molto belle le fotografie che accompagnano il disco, e rappresentano sinesteticamente l'isolamento nel quale queste canzoni sono state generate.

Questa e' la traccia che apre Floriography, spero che vi emozioni come emoziona me. Buon ascolto, e ci sentiamo ancora in questo lungo fine settimana inglese, che comincia adesso e dura fino a martedi' mattina.

Lorella Zanardo, Il corpo delle donne (Feltrinelli, 2010)

2011-04-26T23:09:00.007+01:00

Conoscerete tutti l'interessante documentario di Lorella Zanardo che racconta dell'umiliazione imposta dalle televisioni commerciali alla dignita' della persona, e il suo blog nel quale tematiche di genere sono sviluppate e dibattute.

Ho trovato molto interessante anche il libro nel quale l'autrice racconta la genesi del documentario e le reazioni che ha suscitato.

In particolare, il saggio prende una piega interessante dopo circa 150 pagine, quando prende le distanze dall'analisi puntuale e inizia a muoversi su un terreno piu' libero, fatto di implicazioni ad ampio spettro: sulle conseguenze di un pensiero troppo acquiescente e tollerante, e sui percorsi che ciascuno di noi puo' intraprendere per vivere una vita consapevole e altra.

Mi e' piaciuta soprattutto la capacita' di far stare insieme diverse prospettive (razionale, emozionale, spirituale), tutte fondamentali per comprendere la realta' in modo ricco e completo.

Accettiamo che il progetto di un nuovo modo di concepire la vita richiede tempo, condizioni propizie, calma, silenzio e un ambiente protetto. Solo cosi' saremo in grado di dare il benvenuto al mondo.

E' un fatto curioso che la vita chieda a volte periodi di raccoglimento, anche lunghi, per maturare dentro di noi quei cambiamenti che ci permettono poi di aprirci al mondo in modo non banale, di dare un senso non scontato ad esperienze e incontri. Di vivere la vita con intensita', impedendo che si trasformi in una sequenza di giorni senza identita'.

Non so se anche a voi e' successa la stessa cosa, ma dopo avere letto le ultime 50 pagine mi sono ritrovato a pensare che tutta la prima parte del libro, per quanto centrale, sia in fondo analisi propedeutica per una riflessione profonda sul nostro ruolo nei processi di trasformazione.

E' tempo di dare spazio ai sentimenti, ai sensi e allo spirito. Si', ma ho l'impressione che sia il punto di arrivo di un percorso non sempre agevole, che richiede disciplina e concentrazione, e che consente di raggiungere un bell'equilibrio tra partecipazione e raccoglimento.

Mi ha emozionato che il libro a un certo punto citi il lavoro di due collaboratrici della prima ora di Engadina Calling, lei e lei, che saluto sperando di potere incrociare ancora presto i nostri percorsi.

Prospettive Musicali del 17 aprile 2011

2011-04-17T12:28:00.007+01:00

1) FRANCOIS COUTURIER
Tiapa
da Tarkovsky quartet
(ECM, 2011)

2) TRIO MEDIAEVAL
Salve sancta parens
da A Worcester ladymass
(ECM New Series, 2011)

3) JAGA JAZZIST
One-armed bandit
da One-armed bandit
(Ninja Tune, 2010)

4) ENSEMBLE PEREGRINA. AGNIESZKA BUDZINSKA-BENNETT
Breves dies hominis
da Crux
(Glossa, 2011)

5) FRANCOIS COUTURIER
San Galgano
da Tarkovsky quartet
(ECM, 2011)

6) AKI TSUYUKO
Flutter
da Ongakushitsu
(Moikai, 2000)

7) PIPE MAJOR FORSYTH AND DRUMS
Hundred pipers - Miss Drummond of Perth - Sleepy Maggie
da VV. AA. Unheard of and forgotten abouts: rare and unheralded gramophone recordings from around the world (1916 - 1964)
(Tompkins Square/ Pawn, 2010)

8) NICK DRAKE
Rider on the wheel
da Made to love magic
(Island, 2004)

9) RADIOHEAD
Paranoid android
da OK computer
(Parlophone, 1997).

E' possibile riascoltare la puntata qui su Radio Engadina Libera e nel nostro archivio.

Prospettive Musicali va in onda tutte le domeniche alle 22.35 sui 107.6 in modulazione di frequenza di Radio Popolare. La puntata di domenica prossima sarà curata da Gigi Longo.

Engadina Calling si prende una settimana di riposo, tornerà a inviare segnali la settimana del 25 aprile.

Nicolas Philibert, Nenette (2010)

2011-04-13T23:38:00.006+01:00

Qui a Londra, il documentarista francese Nicolas Philibert ebbe un momento di discreta esposizione mediatica quando venne proiettato il suo lungometraggio Etre et avoir, girato in una scuola della Francia rurale, descrizione dolceamara di un modo di vivere e relazionarsi semplice, sobrio, lento, incontaminato che sta scomparendo.

Il suo ultimo lavoro, che viene proiettato in questi giorni (fino al 21 aprile) al British Film Institute, e' una riflessione sul nostro rapporto con gli altri animali che convivono con noi sul pianeta.

Philibert ha questa volta diretto la sua attenzione su Nenette, attempato esemplare di orang-utan detenuto presso lo zoo di Parigi. Nenette, rapita giovanissima nel Borneo dove nacque, e' stata poi costretta a vivere tutta la sua vita in cattivita', esposta tutto il giorno allo sguardo dei visitatori dello zoo.

Il documentario e' schierato in senso animalista, ma in modo molto implicito: tutto quello che il regista sembra chiederci e' di osservare lo sguardo malinconico di Nenette, i suoi comportamenti cosi' umani, e di ascoltare i commenti dei visitatori, da lui registrati. Spesso privi di qualsiasi senso di compassione per chi e' nato libero e ha poi visto la sua liberta' negata, per sempre, senza una ragione.

Nel disegno iniziale si sarebbe dovuto trattare di un cortometraggio di 15 - 20 minuti. Poi Philibert si e' reso conto che per farci entrare davvero in relazione con Nenette, comprendere la crudelta' che e' stata costretta a sopportare per tutta la vita, sarebbe stato necessario il tempo di un lungometraggio. Durante il quale facciamo esperienza della sua solitudine, e della insopportabile noia alla quale e' stata condannata per il nostro divertimento.

Un documentario bellissimo, nella sua ricercata monotonia: un'occasione per riflettere sull'atteggiamento di predatoria superiorita' che ci impedisce armonia ed equilibrio profondi con il pianeta.

[Questa domenica tocca al gestore di questo blog presentare Prospettive Musicali, settimanale di altre musiche in onda alle 22.35 sui 107.6 in modulazione di frequenza di Radio Popolare. Ascolteremo insieme musica ispirata dai film di Tarkovsky, alcuni brani composti per musicare le funzioni religiose della settimana santa, un 78 giri di musiche per cornamusa registrate in Scozia nel 1916, musica contemporanea dal Giappone e molto altro ancora].

Nando dalla Chiesa, Contro la mafia (Einaudi, 2010)

2011-04-12T16:22:00.004+01:00

Non avrei probabilmente letto questa raccolta di testi sociologici classici sulla mafia (pubblicati nell'arco di un secolo, dal 1877 al 1979) se sfogliandola in libreria, l'ultima volta che sono tornato in Italia, non mi fossi imbattuto, tra i ringraziamenti, nel nome del relatore della mia tesi di laurea, il professor Alessandro Cavalli, al quale sono ancora molto legato.

Il valore del volume sta nell'affrontare la tematica in oggetto da una prospettiva sociale volta a individuare le cause del fenomeno mafioso: che sono da ricercare, per usare le parole di Pippo Fava, nella miseria senza vie d'uscite, cioe' la miseria che riunisce l'ignoranza, la malattia, la superstizione, la sporcizia, la violenza. E di conseguenza suggerisce che solo rimuovendo le cause di tale miseria, quegli squilibri ereditati dal latifondo terriero che ancora oggi garantiscono alla mafia manovalanza a basso costo, e' possibile combattere il fenomeno alle sue radici.

I testi piu' interessanti sono quelli piu' lontani nel tempo (il viaggio in Sicilia compiuto nel 1877 dal livornese Leopoldo Franchetti, la denuncia di Napoleone Colajanni della complicita' del governo centrale, del 1900).

Tra gli interventi della seconda meta' del Novecento, assolutamente toccante e' il frammento tratto da Le parole sono pietre di Carlo Levi, che racconta la vita e l'omicidio del sindacalista Salvatore Carnevale.

Scorrono davanti a noi i nomi di tanti uomini coraggiosi (esponenti comunisti, sindacalisti) che hanno dato la vita per contribuire a liberare la propria terra.

Resta forte la convinzione che la lotta di liberazione del nostro Paese dall'ignoranza e dalla soggezione ai potenti e' ancora molto lunga, ma anche che la societa' italiana ha saputo esprimere nel corso della sua storia un gran numero di personalita' coraggiose e fino in fondo fedeli a ideali di uguaglianza e di lotta alla poverta' e al sopruso.

E a proposito della riforma della giustizia che si sta discutendo nel Parlamento italiano in questi giorni, ripropongo questo intervento, che ha sostanzialmente solo anticipato, per difetto, quello a cui stiamo assistendo in questi giorni neri come la pece.

Aki Tsuyuko, Ongakushitsu (Moikai, 2000)

2011-04-10T00:13:00.003+01:00

Dopo aver scritto in tempi recenti di David Grubbs e di John McEntire, mi sembra giusto ricomporre la sacra trinita' post-rock parlando oggi di Jim O'Rourke.

Sto cercando di completare la mia raccolta del catalogo Moikai, la sussidiaria della Drag City gestita da Jim O'Rourke tra il 1998 e il 2001, che pubblico' dischi di musicisti perlopiu' legati all'avanguardia europea (Fennesz, Pita, Lithops, Rafael Toral) e americana (Phil Niblock, Kevin Drumm).

Recentemente ho trovato a un prezzo decente (... ma era l'ultima copia rimasta a quel prezzo) l'esordio di Aki Tsuyuko, compositrice giapponese che molti di voi ricorderanno soprattutto per le sue collaborazioni con Nobukazu Takemura (altro artista del Sol Levante legato a un'etichetta di Chicago, la Thrill Jockey).

Questo Ongakushitsu e' un disco di straordinaria delicatezza: musica che fluttua nell'aria senza mai concretizzarsi davvero. Mi ha fatto tornare alla mente, qualcuno di voi se lo ricordera', il disco realizzato alcuni anni fa dalla compositrice francese Colleen usando solo carillon, a tratti processati elettronicamente.

Mi ha molto colpito anche il fatto che alcuni passaggi evocano quelli di certe sonate d'organo di Messiaen, associazione che non verrebbe spontanea parlando di musica giapponese.

Se vi piace un certo tipo di sperimentazione con anima e cuore (pensate all'ultimo Sylvian) questo disco potra' davvero piacervi molto.

Non trovo in rete frammenti di Ongakushitsu da proporvi, per cui sopperisco con questa traccia da Hokane, del 2006, un buon album pero' molto meno originale rispetto all'esordio.

François Truffaut, L'amour en fuite (1978)

2011-04-07T23:07:00.001+01:00

L'ultimo episodio della saga di Antoine Doinel (della quale abbiano gia' parlato qui e qui), e' a mio parere uno dei film piu' sottovalutati di Truffaut.

E' una pellicola cosi' ricca di dettagli e di ricordi (resi attraverso frammenti degli episodi precedenti), che non so nemmeno se abbia senso raccontarne la trama.

L'amour en fuite coglie un momento di trasformazione di Antoine, elegante ma irrisolto e un po' arrogante trentenne che pur avendo pubblicato un libro autobiografico si guadagna da vivere come correttore di bozze.

Il film si apre nel momento piu' felice della relazione tra Antoine e la fascinosa Sabine, che gestisce un negozio di dischi nel centro di Parigi (osservate come erano belli i negozi di dischi quando esisteva solo il vinile - nonche' nella scena iniziale la maglietta di Snoopy indossata da Sabine, che se siete stati teenager alla fine degli anni '70 non potete non avere avuto anche voi).

Una mattina cosi' confusa e felice, che Antoine dimentica che proprio quella mattina deve recarsi in tribunale per la sentenza di divorzio dalla moglie, l'altrettanto fascinosa Christine. Per dire quanto la saga di Antoine Doinel sia di fatto l'autobiografia romanzata di Truffaut, basti ricordare che proprio Claude Jade che interpreta Christine, fu per un certo periodo la fidanzata del regista.

Nel corso del film, Antoine ri-incontra anche Colette che, come forse ricorderete, nel secondo episodio della saga rappresenta l'amore irrealizzato, la donna che fa soffrire il diciassettenne Antoine.

Magistrale, piu' ancora che negli episodi precedenti, l'uso da parte di Truffaut del flusso di coscienza, del ricordo di momenti che sono stati emozionanti e che nel film si riflettono amplificate sulla superficie del presente, come a voler forse dire che le emozioni trascendono il tempo, restano impresse dentro di noi per sempre.

Consiglio di cercarlo al cinema, su grande schermo, ma se invece desiderate vederlo subito sul vostro computer, lo trovate qui.

Jaga Jazzist, One-armed bandit (Ninja Tune, 2010)

2011-04-04T23:32:00.006+01:00

Se siete tra i frequentatori abituali di questo blog, probabilmente nelle ultime settimane avrete anche voi ascoltato molto spesso il secondo album del quintetto di Iro Haarla, una delle uscite piu' interessanti di quest'anno in ambito di jazz nordico e non solo, nonche' i recenti lavori di due componenti di quella formazione, il saxofonista Trygve Seim e il trombettista Mathias Eick.

Eick, oltre a essere tra i collaboratori degli ottimi Motorpsycho, e' anche tra i componenti di un collettivo aperto basato a Oslo, che porta il nome di Jaga Jazzist, con all'attivo cinque album (quattro dei quali stampati qui in Inghilterra da Ninja Tune).

A me piacciono particolarmente The styx (2003) e One-armed bandit, dell'anno scorso, che mi e' capitato di andare a riascoltare nel fine settimana. Il paragone piu' immediato, ascoltando i Jaga Jazzist, e' quello con i Tortoise (One-armed bandit e' stato mixato da John McEntire nel suo studio di Chicago, e si sente), ma vengono in mente parecchio anche gli Stereolab in versione strumentale.

La principale differenza dei Jaga Jazzist dai Tortoise e' il minore eclettismo: i riferimenti dei norvegesi sembrano un po' piu' limitati rispetto a quelli dei loro colleghi di Chicago (anche se, spaziando tra le colonne sonore di John Barry e le ripetizioni minimaliste di Steve Reich, non sono sicuro che siano poi cosi' limitati).

Il suono dei Jaga Jazzist e' parecchio ricco, fatto di sovrapposizioni stratificate di strumenti analogici (trombe, flauti, tuba, clarinetto, saxofono, trombone, corno francese, vibrafono, glockenspiel, lap steel guitar, contrabbasso, batteria) e elettronici (molte tastiere, drum-machines).

Alcune recensioni ho visto che citano Zappa, secondo me abbastanza a sproposito, soprattutto perche' non mi sembra che i Jaga Jazzist ne condividano lo spirito dissacrante. Piuttosto, a tratti possono tornare alla mente certi passaggi un po' roboanti che fanno pensare a certa fusion progressiva degli anni '70 (a me vengono perfino un po' in mente i Perigeo, chi di voi li ricorda? Ascoltate per esempio Music! Dance! Drama!).

Se siete ancora affezionati a certi suoni che si usavano chiamare post-rock (fusion contemporanea, di fatto) provate a dare un ascolto.

L'unica volta che li vidi dal vivo fu molti anni fa sul minuscolo palco del 93 Feet East, sul quale si muovevano urtandosi in continuazione. Assai piu' adatto a loro e alla loro ricca strumentazione e' questo studio della televisione norvegese.

Henri-Georges Clouzot, Les diaboliques (1955)

2011-04-03T21:45:00.006+01:00

Mi rendo conto di non avere ancora fatto cenno a una delle stagioni piu' interessanti proposte quest'anno dalla Cineteca Britannica, che nel mese di Marzo, oltre alla consueta rassegna dedicata alle donne registe Birds Eye View, ha organizzato una serie di proiezioni dal titolo A woman's gotta do sulle eroine di film d'azione.

Un'occasione per rivedere su grande schermo Thelma e Louise, Il silenzio degli innocenti, Fargo, tra i tanti titoli in programma. Perle della rassegna direi che sono stati The African queen (John Houston, 1951, con Katherine Hepburn e Humphrey Bogart) e questo Les diaboliques, con Simone Signoret e Vera Clouzot (moglie del regista e attrice bravissima che fece in tempo a girare solo tre film prima di soccombere a un attacco cardiaco, ancora molto giovane), che ha chiuso la rassegna qualche giorno fa.

Les diaboliques e', tra i noir francesi che ho visto, il mio preferito in assoluto. Racconta la storia dell'omicidio del direttore di un collegio privato nella campagna francese, da parte della moglie e dell'amante, entrambe stanche delle sue prepotenze. Le due donne organizzano quello che sembrerebbe un delitto perfetto, e pero' il cadavere, buttato nella piscina, scompare misteriosamente prima di venire scoperto.

L'atmosfera e' hitchcockiana, e le scene finali fanno davvero ancora oggi paura, specie per il crescendo di tensione realizzato da Clouzot. Eccellenti davvero le attrici (che si sottoposero a una serie di richieste beefheartiane del regista - ad esempio prima della scena del cibo avariato le costrinse a mangiare pesce andato a male per rendere il loro disgusto piu' realista possibile): Simone Signoret nella parte della gelida organizzatrice del delitto e Vera Clouzot esitante e impaurita.

Se intendete vederlo, fate attenzione, durante la scena del delitto, a come il regista abbia usato magistralmente i suoni d'ambiente amplificandoli ad arte per generare un'atmosfera disturbante, carica di una tensione che ci accompagna per tutto il film e ben oltre il suo finale.

Kazuo Ishiguro, Notturni (Einaudi, 2009)

2011-03-31T00:05:00.004+01:00

Per consolarmi del fatto di non essere ancora riuscito a vedere al cinema Never let me go, durante il mio ultimo ritorno in Italia ho comperato e letto questa raccolta di racconti di Ishiguro, sottotitolata Cinque storie di musica e crepuscolo, trovandola solo in parte riuscita.

Direi che tre racconti sono piuttosto buoni, e due abbastanza trascurabili. Almeno per i miei gusti di lettore. Quelli che mi sono piaciuti sono il primo, il terzo e l'ultimo.

Il primo, intitolato Crooner, racconta, la malinconica storia di un cantante decaduto, che cerca di salvare il proprio matrimonio che volge al tramonto, esattamente come la sua carriera.

Il terzo, intitolato Malvern Hills, e' un'altrettanto crepuscolare storia di una crisi coniugale, ambientata su colline alle quali sono molto legato (molti anni fa frequentai una scuola proprio nelle Malvern Hills, e sto pensando di tornare da quelle parti quest'estate, anche per rivisitare l'abazia di Worcester dopo tutto questo tempo).

Il quinto, che e' forse il piu' toccante, intitolato Violoncellisti, racconta l'amore platonico tra un violoncellista dell'Est Europa e una ricca signora americana, che si finge musicista virtuosa per uscire dalla sua solitudine. Bello il finale, del quale ovviamente non vi dico nulla.

Quelli meno interessanti, il secondo e il quarto, sono anche i piu' surreali, fino al punto di risultare completamente incredibili, mettendo in discussione la qualita' complessiva di questa raccolta a fasi alterne.

Questo trailer animato del libro ha una musica che mi piace molto, malinconica proprio come l'atmosfera della raccolta (anche se non ho la piu' pallida idea di chi l'abbia composta e la suoni).

Radiohead, OK computer (Parlophone, 1997)

2011-03-29T13:57:00.004+01:00

The king of limbs mi ha fatto tornare il desiderio di riascoltare l'incubo orwelliano OK computer, un lavoro cosi' visionario che sembra ancora oggi, a quattordici anni dalla sua pubblicazione, arrivare dal futuro, come succede con i racconti di Ballard, i cut-ups di Burroughs, la macchina dei sogni di Gysin.

OK computer non e' il disco dei Radiohead che preferisco, non possiede la genialita' in stile libero di Kid A e Amnesiac ad esempio. Della generazione di quei dischi e' pero' pre-condizione necessaria, per la sua capacita' di condensare il passato della musica inglese (unendo finalmente complessita' prog e minimalismo post-punk, lampi Pink Floyd e oscurita' Joy Division) e prefigurarne un futuro possibile.

OK computer nasce nel bel mezzo di una stagione di autocmpiacimento stagnazione della musica britannica, e quella stagione supera di slancio, mettendone in discussione le auto-celebratorie premesse.

Per realizzare OK computer, i Radiohead compirono una complessa operazione fatta di estremo isolamento (fu registrato in una vecchia casa nella campagna inglese, con pochi contatti con l'esterno, in un'atmosfera di ricerca interiore) e contemporaneamente di immersione totale nelle contraddizioni del mondo (del quale denunciano conservatorismo valoriale e politico, accettazione e conformismo, claustrofobia e incapacita' di reagire per imprimere trasformazioni).

Il suono e' magniloquente, pinkfloydiano, eppure ritmicamente futuribile: chitarristico ma di chitarre che si fanno liquide, immateriali, inafferrabili.

Si possono citare le singole canzoni che lo compongono, il viaggio intestellare progressivo di Paranoid android, la poesia esangue di Exit music (for a film), l'invocazione che compie cerchi concentrici Karma police, le ballate piu' tradizionali eppure in qualche modo spettrali No surprises e The tourist.

Ma ha poco senso perche' OK computer e' un disco da ascoltare, possibilmente concentrati e leggendosi le splendide liriche, tutto d'un fiato, come fosse un concept album di altri tempi. L'agilita' ritmica e l'obliquita' melodica di The king of limbs erano gia' tutte, in nuce, presenti in questi solchi che immaginarono il futuro della musica britannica ed ebbero il coraggio di generare un'onda ancora oggi capace di stupire e sedurre.

Prospettive Musicali del 20 marzo 2011

2011-03-20T14:20:00.009Z

Puntata monografica questa notte. Ascolteremo musiche dal Nord Europa, tratte da dischi pubblicati dalla ECM negli ultimi tre anni:

1) NILS OKLAND
Pas de deux
da Monograph
(ECM, 2009)

2) KETIL BJORNSTAD/ SVANTE HENRYSON
Visitor
da Night song
(ECM, 2011)

3) TRYGVE SEIM/ ANDREAS UTNE M
Responsorium
Purcor - songs for saxophone and piano
(ECM, 2010)

4) IRO HAARLA QUINTET
A port on a distant shore
da Vespers
(ECM, 2011)

5) NILS OKLAND
Horisont
da Monograph
(ECM, 2009)

6) MARKKU OUNASKARI/ SAMULI MIKKONEN/ PER JORGENSEN
Pitka pajo
da Kuàra
(ECM, 2010)

7) GIDON KREMER/ KREMERATA BALTICA
Piano quintet in f minor for piano, two violins, viola and violoncello molto moderato quasi lento. Allegro
da Hymns and prayers
(ECM New Series, 2010).

Ascolta.

[Prospettive Musicali va in onda la domenica alle 22.35 su Radio Popolare, FM 107.6.

Domenica 27 marzo il programma non andra' in onda. Prospettive Musicali tornera' domenica 3 aprile].

Trio Mediaeval, A Worcester ladymass (ECM New Series, 2011)

2011-03-16T23:58:00.002Z

Stasera ho iniziato a scrivermi qualche idea per la musica che trasmettero' a Prospettive Musicali domenica prossima (come sempre alle 22.35, su Radio Popolare). E' molto probabile che sara' un programma monografico, dedicato ai volumi di musiche nordiche che sono stati per me la naturale colonna sonora di quest'inverno.

L'ultimo disco di musica nordica che e' entrato nel soggiorno dal quale sto scrivendo e' questa messa dedicata a Maria, madre di Gesu', interpretata da un trio di Oslo che ben conoscono gli ascoltatori di Prospettive Musicali e i lettori di Engadina Calling (anche perche' componenti del Trio Mediaeval compaiono su due dischi che ho amato molto: Diminuito di Rolf Lislevand e Cartography di Arve Henriksen).

Si tratta di una messa basata su manoscritti del XIII e XIV secolo ritrovati nell'abazia benedettina di Worcester, nei West Midlands (che vi consiglio di visitare se siete da queste parti, perche' e' davvero bellissima), completati nelle parti andate perdute (il Credo e il Benedicamus Domino, che conclude la celebrazione) da Gavin Bryars (altro nome molto familiare ai frequentatori di Prospettive e Engadina).

Davvero aggraziata l'interpretazione, che trasmette tutta la purezza che la musica corale puo' esprimere, e una tensione verso spazi altissimi.

Il Trio Mediaeval e' in tour per presentare questo disco: nei prossimi mesi saranno nella loro Norvegia, in Belgio, Germania, Lituania, Portogallo.

Jose' Saramago, Tutti i nomi (Caminho/ Einaudi, 1997)

2011-03-14T17:26:00.007Z

Tutti i nomi non e' tra i romanzi piu' noti di Saramago (scrittore del quale abbiamo gia' parlato un paio di volte, qui e qui). Io pero' lo trovo tra i suoi piu' riusciti, sia per lo stile narrativo molto armonico (specie se conoscete gia' lo scrittore portoghese, e lettura dopo lettura, avete iniziato ad apprezzare i suoi periodi infiniti), che per la molteplicita' di chiavi di lettura, che costringono a un lavoro di interpretazione costante.

E' un libro solo apparentemente semplice. Si racconta la storia del signor Jose', uno scritturale dell'anagrafe di una citta' senza nome, molto disciplinato e rispettoso delle gerarchie e delle regole burocratiche, oltre che metodico in tutto cio' che fa.

La sua vita si divide tra il lavoro e un unico hobby, una collezione di ritagli di giornali e foto di celebrita'.

La sua abitazione comunica con gli uffici dell'anagrafe attraverso una porta, che il signor Jose' varca di notte, per consultare i due archivi (quello dei vivi e quello dei morti), alla ricerca di informazioni sulle celebrita' delle quali tutto desidera sapere.

Un giorno, si imbatte per caso nella scheda anagrafica di una donna sconosciuta, e decide senza una ragione speciale (se non forse la solitudine endemica che pervade la sua vita) di andare alla sua ricerca. E da quella ricerca uscira' trasformato, per sempre...

Come in altri suoi libri (vengono in mente in particolare Cecita' e Il Vangelo secondo Gesu' Cristo), in Tutti i nomi Saramago esplora l'effetto della solitudine sull'animo umano, e il potere redentivo di iniziare a pensare in termini di noi.

Il tono e' pero' abbastanza diverso da quello di altri suoi volumi, in qualche modo piu' leggero (anche se non mancano tonalita' kafkiane, soprattutto nella descrizione del rapporto con la figura autoritaria e parentale del Conservatore), a tratti quasi cupamente umoristico.

Tra le tante chiavi di lettura possibili dell'enigmatico dialogo finale (che mi ha ricordato un po' anche l'Hesse surreale di Il lupo della steppa) a me piace pensare che la decisione di mischiare negli schedari i nomi dei morti con quelli dei vivi abbia a che fare con il potere dell'amore, dell'uscire dalla propria solitudine anche assumendosi rischi, dell'affermare le proprie emozioni anche quando questo costringe a scardinare le nostre abitudini e a rinnovarci profondamente. Essere vivi dipende spesso dalle nostre scelte.

Un bell'intervento di Saramago sul romanzo come spazio di riflessione, e sulla necessita' di comprendere l'altro, lo potete ascoltare qui.

Paolo Fresu/ A Filetta/ Daniele di Bonaventura, Mistico Mediterraneo (ECM, 2011)

2011-03-11T23:24:00.007Z

L'ultimo progetto del trombettista sardo Paolo Fresu sa esprimere tutta la poesia che si fa strada dentro di noi quando contempliamo il mare, cercando di entrare in contatto profondo con la sua vastita', la sua storia, il suo mistero.

Ho letto da piu' parti che questa collaborazione di Fresu con il gruppo corale A Filetta (che vuol dire la felce), dalla Corsica, e con il fisarmonicista marchigiano Daniele di Bonaventura, potrebbe ricordare i progetti di Jan Garbarek con l'Hilliard Ensemble.

A me pare un'osservazione piuttosto superficiale, che non tiene conto a sufficienza della natura geografica, culturale, climatica totalmente diversa di queste collaborazioni, e puo' portare fuori strada.

A Filetta, ad esempio, sono molto diversi dall'Hilliard Ensemble, decisamente meno legati a tradizioni corali colte (casomai popolari), meno filologici, piu' liberi. Ed e' questa liberta' che voci e strumentisti si prendono nell'interpretazione delle tradizioni, popolare e jazz, a rendere questo progetto cosi' particolarmente interessante.

Con gli anni, Fresu ha maturato uno stile sempre piu' personale, che in alcune tracce di questo disco (l'iniziale Rex tremendae, Gloria e altre) puo' forse ricordare vagamente Jon Hassell e Mark Isham, piu' dei monumenti Miles Davis e Chet Baker che lo ispirarono nelle sue prime prove.

Il suo stile sempre piu' astratto si incontra benissimo con la fisarmonica che di Bonaventura suona con un'intensita' che ricorda molto lo stile del bandeonista argentino Dino Saluzzi.

Protagonisti assoluti del disco pero' sono le polifonie (in idioma corso, in latino, in francese) di A Filetta, formazione attiva dal 1978, che esprimono ricerca e contaminazione di tradizioni piu' che conservazione filologica.

Questa traccia, ispirata da un canto della Resistenza corsa, e' tra le piu' intense e riuscite di Mistico Mediterraneo, uno dei dischi piu' belli, emozionanti, originali ascoltati negli ultimi tempi.

A tutti, ma specialmente a chi legge queste righe a poca distanza dal mare, buon fine settimana, ci vediamo lunedi'.

Iro Haarla Quintet, Vespers (ECM, 2011)

2011-03-10T12:07:00.011Z

E a proposito di ECM, etichetta molto seguita e amata qui in Engadina, vi segnalo una loro uscita recente che in questi giorni mi tiene spesso compagnia in sottofondo mentre lavoro e leggo.

E' il secondo album del quintetto dell'arpista e pianista finlandese Iro Haarla. Lei la ricorderete forse come componente del gruppo del batterista Edward Vesala (del quale era la consorte).

Il suono di questa formazione (che comprende il saxofonista Trygve Seim, ben noto agli ascoltatori di Prospettive Musicali, e il contrabbassista Ulf Krokfors, che ricorderete insieme a Haarla e Seim proprio al fianco di Vesala) muove dalla tradizione del jazz scandinavo evolvendola in chiave improvvisativa.

Le singole tracce, che costituiscono in realta' un continuum, sono in genere distese, naturali, e come accade spesso nel jazz nordico i contributi individuali sono molto funzionali alla costruzione di un lavoro corale.

Potete farvi un'idea di Vespers visitando il Myspace linkato qui sopra, oppure ascoltare e osservare il raffinato stile pianistico di Iro Haarla in questo frammento di un concerto tenuto a Padova.

[Questo sabato avrete letto che e' stata organizzata una serie di manifestazioni a difesa della Costituzione. Mi e' stato chiesto, e ho accettato volentieri, di partecipare come corrispondente della manifestazione di Londra, che si terra', a partire dalle 14, a Richmond Terrace con:

- un collegamento per Radio Popolare all'interno della diretta che andra' in onda alle 15.40

- un intervento telefonico che verra' trasmesso dal palco di Piazza del Popolo, per chi partecipera' alla manifestazione di Roma.

Naturalmente, se siete a Londra ci vediamo a Richmond Terrace (la traversa di Whitehall opposta a Downing Street)].

Robin Williamson, The iron stone (ECM, 2006)

2011-03-08T00:51:00.003Z

Conoscete i tre album solisti incisi nel corso dello scorso decennio da Robin Williamson per l'etichetta tedesca ECM?

Io me li sono procurati solo recentemente e sto imparando a conoscerli proprio in questi giorni.

Dopo lo scioglimento della Incredible String Band, avvenuto nel 1974, Williamson si e' dedicato allo studio della tradizione bardica e del patrimonio poetico britannico e americano, pubblicando libri e dischi di poesie recitate e cantate, di Dylan Thomas, Walt Whitman, William Blake e tanti altri.

Dei tre volumi usciti per ECM a me piace soprattutto il terzo, The iron stone, che e' anche il piu' austero e in qualche modo difficile: richiede infatti alcuni ascolti, prima di riuscire a decifrare la poetica di questo cantastorie sospeso tra tradizione e evoluzione progressiva della tradizione stessa.

Su The iron stone Williamson si accompagna con la sua arpa celtica, e a fargli compagnia sono il violinista Mat Maneri, il contrabbassista Barre Philips e Ale Moller, che suona una miriade di strumenti tra i quali la mandola, la fisarmonica, il clarino, i flauti, l'armonica.

L'atmosfera del disco non potrebbe essere piu' distante dall'estate dell'amore di ascendenza hippie evocata da tanti dischi della Incredible String Band, nonostante alcuni brani di quella formazione vengano re-interpretati qui (talvolta in modo pressoche' irriconoscibile).

Si tratta di un'evoluzione del folk psichedelico, con momenti straordinariamente ipnotici e ispirati. Se la radice lirica e' occidentale, l'interpretazione si avvale di riferimenti ad altre tradizioni (musica indiana e araba), pur se mai in modo troppo scoperto.

Musica davvero altra, da conoscere assolutamente. Sono sicuro che questi tre dischi potrebbero piacere molto a chi ama il folk moderno di Joanna Newsom, Will Oldham, Alasdair Roberts.

VV. AA. Angola soundtrack the unique sound of Luanda 1968 - 1976 (Analog Africa, 2010)

2011-03-06T01:16:00.002Z

Da troppo tempo in questo blog non parliamo di musica, cosi' nonostante l'ora tarda vi segnalo il disco che ho forse ascoltato piu' spesso in questi ultimi mesi.

Si tratta dell'ultima raccolta pubblicata da Analog Africa: il nono volume pubblicato dall'etichetta tedesca specializzata nella ristampa di rari 45 giri pubblicati in Africa negli anni '60 e '70 (e non solo: l'installazione numero 7 del catalogo e' dedicata alla musica colombiana).

Per i miei gusti, Angola soundtrack e' il loro disco piu' riuscito dopo Legends of Benin, che ascoltammo insieme a Prospettive Musicali quando usci', un paio di anni fa. E' anche, a loro dire, l'album che hanno incontrato piu' difficolta' ad assemblare, per ragioni logistiche (e' molto difficile ottenere un visto per entrare nello stato sub-sahariano, flagellato dalla guerriglia e da malattie endemiche).

Ma e' anche un disco di scoperte continue, ritmi mai sentiti prima. Sintesi di influenze afro-beat, frenetiche danze tradizionali del Carnevale, merengue, kazucuta, semba (una versione locale della samba), psichedelia.

Come per le uscite che lo hanno preceduto, anche questo volume arriva con un libretto, di 44 pagine, curatissimo, pieno di fotografie d'epoca e interviste, anche attuali, fatte a musicisti locali. Documento importante, dato che se si fa eccezione per una serie di dischi realizzati dalla Buda Musique ormai oltre dieci anni fa, del patrimonio musicale angolano si sa molto poco.

A me l'album piace un po' tutto e ne apprezzo la varieta' di stile, ma se dovessi suggerire un paio di tracce, farei riferimento alla numero 3, accreditata a Jovens De Prenda, che deve avere assemblato una band davvero casuale, comprendente appassionati di reggae e surf music (sentite la chitarra che sembra incredibilmente uscire da un disco di Dick Dale). E poi la traccia 10, davvero contagiosa, che resta in testa per ore.

François Truffaut, La nuit americaine (1973)

2011-03-03T00:33:00.008Z

Se L'histoire d'Adele H. e' un brano musicale per un solo strumento, La nuit americaine e' un lavoro corale, sapientemente diretto dal maestro Truffaut. Che ci introduce nel suo mondo, raccontandoci le riprese di un film dall'interno. Dimostrandoci la complessita', e anche la casualita', che dominano la realizzazione di un lavoro cinematografico: l'importanza delle dinamiche personali e il complicato lavoro di armonizzazione delle differenze al quale e' chiamato il regista nel suo ruolo e nelle sue responsabilita'.

La nuit americaine fu presentato al festival di Cannes del 1973, fuori concorso, come proiezione inaugurale, e c'e' un generale accordo tra gli storici del cinema nel considerare la sera della prima di questo film come l'apoteosi del successo personale di Truffaut. Che si presento' al Grand Palais accompagnato da quattro delle attrici che recitarono nel film (compresa una Jacqueline Bisset di impressionante bellezza) per questa celebrazione delle sue passioni: il cinema e il fascino feminile.

Pur con una sua storia unitaria, centrata sulla realizzazione delle riprese di un film, La nuit americaine vive soprattutto di frammenti, episodi, che illustrano le passioni dell'animo umano: innamoramento e amore naturalmente, ma anche tradimento, delusione, desiderio di fuga.

Sono abbastanza d'accordo con chi sostiene che questa frammentarieta' lo rende un film non completamente riuscito, soprattutto nella sua prima parte (si fatica un po' a entrarci dentro, come se non sapessimo esattamente qual e' il nostro ruolo sul set: almeno questo e' capitato a me).

E' certamente pero' un film molto personale, a suo modo di ricerca, nel quale Truffaut parla di se stesso, delle cose che ama, delle difficolta' che e' chiamato a superare.

Fondamentale per approfondire la comprensione della filosofia, dello stile, del linguaggio dei suoi film piu' compiuti.

François Truffaut, L'histoire d'Adele H. (1975)

2011-03-01T15:12:00.008Z

La vera storia di Adele Hugo, una delle figlie di Victor Hugo, credo sia quella raccontata brevemente in questo ricordo pubblicato al momento della sua scomparsa, nel 1915, dal New York Times.

E quindi immagino che molti dei particolari della sua vita siano stati cambiati volutamente nella biografia romanzata diretta da Truffaut, dove ad esempio si narra che Adele arrivo' a Halifax per seguire l'ufficiale inglese per amore del quale perse la ragione (anziche' essere stata da lui rapita). E che poi lo segui' fino alle isole Barbados dove visse fuori di se' fino a quando una donna locale, impietositasi per la sua condizione, la riaccompagnera' in Francia (l'obituary invece sembra indicare che venne ritrovata vagante per le strade di New York). E chissa' quanti altri particolari Truffaut deve avere inventato (anche se nel press book originale del film sostiene di non avere alterato il materiale documentario in suo possesso), dato che di Adele Hugo non si sa davvero molto.

Molto bella la sua descrizione del film come brano musicale per un solo strumento, che sottolinea l'estrema solitudine, e la fragilita' (come possono essere fragili certi notturni per pianoforte) dell'esperienza umana di Adele.

Film del quale colpiscono soprattutto la delicatezza e la gentilezza con la quale Truffaut racconta emozioni violentissime, capaci di far perdere equilibrio, senso e salute.

E se avete visto il film credo ricorderete quanto Adele e' totalmente, completamente driven (ancora una volta vi chiedo scusa, ma non ricordo piu' la parola italiana per tradurre questo concetto) dal suo amore: in tutta la storia non vediamo Adele compiere una sola azione che non sia determinata dall'amore che la domina. Sa che la sua e' una battaglia perduta, ma Adele la combatte con determinazione assoluta, giungendo a conseguenze davvero estreme.

C'e' questa solitudine assoluta, che pervade tutto il film. Accentuata dalla falsa identita' di Adele, che sembra volere troncare con il suo passato, ri-inventarsi una personalita'. Che pero' sara' assai poco libera, dominata completamente dai suoi sentimenti e dal perseguimento di un obiettivo irraggiungibile.

A qualcuno dei lettori di Engadina Calling sento che non sara' piaciuto il tono melo' che domina il film dalla prima all'ultima nota, cosi' diverso dalla modernita' del ciclo di Antoine Doinel. Io invece dopo un primo momento di perplessita' mi sono lasciato trasportare dall'atmosfera, senza pensare troppo, e alla fine ho trovato il linguaggio scelto da Truffaut molto coerente con la storia che ci ha voluto raccontare, e con la delicatezza di modi di Adele Hugo, magnificamente interpretata da Isabelle Adjani.

Un film questo che, anche dopo alcuni giorni, resta molto presente tra i miei pensieri.

Frederic Martel, Mainstream (Flammarion/ Feltrinelli, 2010)

2011-02-25T21:58:00.008Z

Purtroppo stasera non sono riuscito ad andare a vedere questo film che mi avevate consigliato, come mi ero ripromesso. Pero' ho terminato la lettura di un saggio davvero interessante.

Lo ha scritto Frederic Martel, che insegna all'Hec di Parigi e che tutte le domeniche anima una trasmissione d'informazione sull'industria culturale e i media intitolata Masse Critique, che va in onda su France Culture.

Mainstream esplora quelli che sono i contenuti, le provenienze, le dinamiche di mercato della cultura di massa. Che e', certamente, la cultura egemonica, standardizzata, valorialmente innocua e consenziente, pilotata grazie agli ingenti capitali promozionali delle major (musicali, cinematografiche, editoriali).

E pero' se ci fermiamo qui, alla critica, finiamo per non comprendere la realta' attorno a noi, per arroccarci nel nostro mondo di etichette indipendenti e cineforum. Arroccamento che ci fornisce una chiave di lettura della realta' che resta, in fondo, parziale.

Io sono invece sempre piu' convinto che, proprio per raccogliere elementi di comprensione del presente, sia necessario cercare di comprendere le ragioni per le quali certi contenuti, certe rappresentazioni del mondo, raccolgono un successo planetario.

Perche', ad esempio, svago e disimpegno sono i motivi dominanti della cultura di massa? Guardate che non e' una domanda banale, e che non e' affatto facile trovare una risposta valida e soddisfacente. Se siete qui in questo momento, su questo blog, e' probabile che siate tra coloro che ai fenomeni di massa preferiscono percorsi individuali, di ricerca e approfondimento.

Ma non vi e' mai capitato di domandarvi perche' siamo minoranza, e soprattutto per quale ragione parliamo esclusivamente tra di noi, senza riuscire a coinvolgere la grande maggioranza delle persone con le quali entriamo in contatto?

Il libro fornisce alcune risposte interessanti, soprattutto nella sua prima parte, che ripercorre la storia della cultura di massa. Ad esempio, come si e' giunti ai film il cui contenuto e' determinato da focus group, e che vengono proiettati in megaplex di oltre venti schermi, ospitati in centri commerciali (all'interno dei quali lo spettatore non si deve nemmeno preoccupare dell'orario di inizio del film, dato che lo stesso inizia a orari differenti in diverse sale: esattamente nel momento in cui hai finito di fare la spesa e ti sei rifornito di un secchio di pop-corn)? Come nascono i successi della pop music? E attraverso quali dinamiche di marketing un libro si trasforma in best seller?

Insomma, come funziona la macchina della cultura di massa?

Nella seconda parte invece Martel ci racconta l'ascesa delle industrie dell'entertainment nei Paesi emergenti (con speciale attenzione alla produzione di cultura di massa in Cina, India, America Latina, mondo arabo): come si mischiano culture dell'intrattenimento locali e globali.

E contemporaneamente ci racconta il declino della cultura europea, anti-mainstream per definizione: elitaria (sia che si tratti di cultura classica che di avanguardie) e frammentata da divisioni e particolarismi (che sono invece, per noi, ragioni di grande interesse).

La conclusione del saggio di Martel e' che stiamo vivendo cambiamenti epocali, che stanno determinando una nuova geopolitica della cultura e dell'informazione, basata su nuovi poli di aggregazione e una tecnologia, quella digitale, che permette una riproduzione infinita dei contenuti e costi mai cosi' bassi.

Come cambiera' il nostro modo di sentire musica, leggere, vedere film?

Martel non da' una risposta univoca, ma delinea scenari possibili:

1) uno che definisce ispirato a una certa continuita': continueremo a fare quello che abbiamo sempre fatto, ma tutto sara' in digitale, passera' attraverso Internet e gli smart phones (i telefonini intelligenti che rincretiniscono chi li usa, come li ha definiti una mia collega della radio). In buona sostanza, assisteremo a un processo di smaterializzazione, che pero' lascera' sostanzialmente immutati i contenuti. (Io personalmente dissento abbastanza sull'assunzione che sentire un disco sia come suonare un MP3: a me sembrano proprio esperienze diverse, al di la' del contenuto che, certo, resta lo stesso)

2) altri pero' suggeriscono scenari di trasformazione piu' radicale. Pensate alle possibilita' di partecipazione, scomparsa di intermediazione, scambi peer to peer, ecc. offerti dalla rete. Tutto questo ha la capacita' di trasformare radicalmente il nostro modo di interagire con i contenuti culturali dei quali fruiamo e con quelli che generiamo e scambiamo. Resisteranno i concetti di radio, televisione, stampa che conosciamo (media dei quali siamo sostanzialmente fruitori passivi) alle possibilita' trasformative offerte, gia' ora, dai blog e dai siti di condivisione di contenuti, nei quali partecipiamo piu' attivamente?

E che cosa accadra' alla cultura mainstream, e per converso alle controculture, alle avanguardie, alle culture profondamente locali?

Lansine' Kouyate' - David Neerman, Kangaba (No Format!, 2008)

2011-02-24T00:17:00.004Z

Sono giorni grigi e piovosi qui a Londra. Da quando sono tornato credo di non avere ancora visto un raggio di sole.

Per limitare l'impatto di questo grigiore che entra nell'anima, sto ascoltando molta musica africana. In particolare sto sentendo la collaborazione (per il momento unica), invero non recentissima, del suonatore di balafon Lansine' Kouyate', dal Mali, con il vibrafonista francese David Neerman.

Potremmo definirlo un disco di afro-fusion, se trovate questa etichetta non troppo disturbante. Il punto di partenza e' la musica del Mali, pensate soprattutto a Ali Farka Toure', alla quale si sovrappongono di volta in volta elementi di jazz, funk, psichedelia, musica ambientale.

Alcune tracce sono davvero silenziose, altre piuttosto distorte (vengono in mente addirittura certe atmosfere Miles Davis/ Herbie Hancock/ Weather Report di meta' anni '70). In tutte pero' si ha l'impressione che i due musicisti prestino molto ascolto reciproco, attenti a non sovrapporsi inutilmente. I loro strumenti, dalle sonorita' in fondo piuttosto simili, seguono linee melodiche distinte, senza arrivare mai a saturare lo spazio sonoro.

Molto bella la traccia conclusiva: i due musicisti suonano, con grande rispetto, su una registrazione realizzata nel 1969 dai genitori di Kouyate (il cui padre era suonatore di balafon, mentre la madre era una cantante di musica tradizionale).

A pubblicare il disco e' la ottima No Format!, sussidiaria francese della major Universal, molto attiva nel fare incontrare musicisti provenienti da ambiti geografici e musicali differenti.

Ho trovato in rete un frammento di un concerto che il gruppo di Kouyate e Neerman hanno tenuto nell'ambito del festival jazz di Francoforte, lo scorso mese di ottobre. Sentirete che si tratta di musica che dona molta energia positiva, e fa stare davvero bene. Impossibile abbandonarsi alla malinconia con questa musica. La voglia di vivere si fa strada e ha la meglio anche su questo inverno senza luce.

La musica africana si conferma, ancora una volta, una riserva di energie senza fine.

François Truffaut, Domicile conjugal (1970) e Emmanuel Laurent, Deux de la vague (2009)

2011-02-21T15:22:00.010Z

Nel fine settimana sono riuscito a vedere un paio di film della rassegna su Truffaut della quale vi dicevo qui.

Domicile conjugal e' il quarto dei cinque lungometraggi del ciclo di Antoine Doinel, l'alter ego di Truffaut interpretato da Jean-Pierre Leaud, ed e' un film davvero godibile, soprattutto nella sua seconda parte.

Dopo avere rappresentato Doinel (e quindi se stesso) adolescente (in Les quatre cents coups), ventenne (in L'amour a vingt ans), giovane adulto (in Baisers voles), in questa quarta puntata della saga Truffaut ci presenta un Doinel giovane padre, al quale i ruoli adulti stanno decisamente stretti.

Domicile conjugal racconta in modo tutto sommato leggero e ricco di humour una crisi coniugale. La contraddizione tra serieta' del tema e leggerezza del tono (con tocchi surreali) non disturba mai, anzi alla fine risulta funzionale alla comprensione dello stato d'animo dei personaggi.

Truffaut concepi' Domicile conjugal in un periodo nel quale era molto influenzato dal cinema di Lubitsch, regista al quale sostiene di essersi ispirato soprattutto nei momenti topici del film (l'improvviso sbocciare dei fiori che rivela a Christine, la moglie di Doinel, l'infatuazione dello stesso per la giovane giapponese; l'immagine di Christine abbigliata come una geisha al ritorno a casa di Doinel).

Sabato invece ho visto un bel documentario sul rapporto travagliato tra Truffaut e Godard: un'amicizia che terminera' in recriminazioni di carattere (almeno esplicitamente) politico, quando Godard rinfaccera' a Truffaut di essere autore di cinema non sufficientemente impegnato, e Truffaut rispondera' con una lettera di venti pagine dal tono risentito.

Invece di proporci interviste recenti ai protagonisti di allora, l'autore ha scelto di montare materiale d'epoca: spezzoni di film, frammenti di lettere e lettura di articoli pubblicati negli anni d'oro della nouvelle vague.

La rassegna, che mi sta prendendo parecchio, continua fino a fine marzo. Le prossime proiezioni alle quali penso di assistere nei prossimi giorni sono questa e questa. Ne parleremo ancora, qui in Engadina.

Laurie Anderson, The ugly one with the jewels and other stories (Warner, 1995)

2011-02-18T23:35:00.005Z

Da quando sabato scorso, cercando Big science per trasmetterlo a Radio Popolare, mi e' capitato tra le mani questo disco di Laurie Anderson che non ricordavo nemmeno piu' di avere, l'ho ascoltato almeno una decina di volte.

The ugly one with the jewels e' la registrazione di un reading che Laurie Anderson esegui' nel 1994 qui a Islington (al Sadler's Wells Theatre, a cinque minuti a piedi da dove sto scrivendo), leggendo pagine del suo libro Stories from the nerve bible.

La lettura, cadenzata e scandita, e' accompagnata da un rarefatto sottofondo di musiche sia precedentemente inedite che tratte da Bright red, l'album pubblicato poco prima di questo reading. Per lo piu' Laurie Anderson e' sola sul palco, solo occasionalmente la accompagnano Brian Eno e musicisti del giro John Zorn/ Masada/ Tzadik (Cyro Baptista, Joey Baron, Greg Cohen).

Chi ha assistito ad altri monologhi teatrali della performer americana, conosce i temi trattati e soprattutto lo stile narrativo, quello humour tutto newyorkese con il quale la signora Anderson - Reed affronta temi importanti (religione, tecnologia, potere, controllo, difficolta' di comunicazione e di scambio tra diverse culture).

Il titolo del libro fa riferimento alla Bibbia, e alle interpretazioni letterali che ne danno i predicatori fondamentalisti americani. La prima delle letture (che abbiamo sentito insieme domenica scorsa a Prospettive Musicali) racconta la storia della nonna di Laurie Anderson, una missionaria che cercava di convertire al cristianesimo chiunque le capitasse di incontrare.

Quando le viene diagnosticata una malattia, dapprima reagisce dichiarando di prepararsi con trepidante e gioiosa attesa al momento del suo incontro con il Signore. Pochi istanti prima di chiudere gli occhi, pero', entra in un improvviso stato di panico. Nessuno, infatti, nemmeno chi ha vissuto una vita di preghiera, e' in grado di sapere cosa ci succedera' dopo che avremo esalato l'ultimo respiro.

Molto interessanti anche le riflessioni di Laurie Anderson sulla tecnologia (della quale peraltro fa largo uso), capace addirittura di trasformare anche la guerra e i bombardamenti in uno spettacolo, distanziandoci dalla realta' e dagli altri, rendendo piu' difficile la comprensione e la comunicazione con tutto cio' che ci circonda.

Un interessante viaggio tra i paradossi del nostro quotidiano, e un disco bellissimo, da riscoprire.

Questo e' un frammento intitolato The geographic North pole.

François Truffaut, Les mistons (1957) e Les quatre cents coups (1959)

2011-02-17T15:55:00.003Z

Martedi' mattina ben prima dell'alba, quando l'unico rumore in via Casale addormentata era quello delle ruotine della mia valigia, e ancora con gli occhi semichiusi cercavo una ragione valida per andare a prendere un aereo che mi avrebbe portato lontano, mi e' venuto in mente che al British Film Institute e' in corso una bella retrospettiva su Truffaut, due mesi fitti di proiezioni. Un utile ripasso per lo piu', ma non solo.

Per esempio, un paio di sere prima di partire per l'Italia sono riuscito a vedere su grande schermo Les mistons, il secondo cortometraggio girato dal regista francese (con musiche originali di Maurice Le Roux, allievo di Olivier Messiaen), nel quale Truffaut pone le basi del suo stile cinematografico cosi' riconoscibile e naturale. Les mistons racconta in modo quasi impressionistico l'infatuazione di un gruppo di monelli per una giovane donna. I pestiferi ragazzini faranno davvero di tutto per disturbare gli incontri della giovane con il suo fidanzato.

Il tema della confusione che accompagna l'adolescenza sara' sviluppato con grande sensibilita' un paio di anni dopo, in Les quatre cents coups (che immagino molti di voi ricorderanno bene, soprattutto per la magistrale sequenza finale).

Come ebbe a dire lo stesso Truffaut, l'adolescenza lascia memorie piacevoli solo agli adulti che non la ricordano. Quando avevo 13 anni, ero estremamente impaziente di diventare adulto per poter commettere ogni tipo di errori con impunita'. Mi sembrava che la vita di un bambino fosse fatta solo di "crimini" e quella di un adulto di "incidenti".

E poi cita Cocteau: poiche' la pena di morte nelle scuole non esiste, Dargelos fu mandato a casa.

Nel fine settimana che per nostra fortuna si sta avvicinando a grandi passi sto progettando di andare a vedere questo e questo film della rassegna. Li avete visti? Li consigliate?

Colin Vallon Trio, Rruga (ECM, 2011)

2011-02-15T23:17:00.005Z

Quest'oggi, al mio ritorno a Londra, ho ripreso l'ascolto di un disco che era arrivato nella posta appena prima del mio viaggio in Italia. Sto parlando dell'esordio di un trio svizzero, guidato dal giovane pianista di Losanna Colin Vallon, accompagnato al contrabbasso da Patrice Moret (collaboratore in passato di Uri Caine e Ellery Eskelin) e alla batteria da Samuel Rohrer (qualcuno di voi lo ricordera' sul magnifico April di Susanne Abbuehl, che esplorammo insieme a Prospettive Musicali quando usci', una decina di anni fa).

Questo Rruga (che vuol dire sentiero, in albanese) mi sembra un lavoro abbastanza originale. Ad un ascolto superficiale e distratto, puo' ricordare il distensivo jazz nordico di Tord Gustavsen e Christian Wallumrod. E pero', ascoltando con attenzione rivela pieghe impreviste, che affondano le radici in musiche dell'Est, balcaniche e caucasiche (si trova, circa a meta', persino un riferimento a Le Mystère Des Voix Bulgares).

Rruga e' un disco scorrevole, ben bilanciato tra momenti ritmici (alcuni dei quali si costruiscono per iterazioni progressive, come accade nell'iniziale e bellissima Telepathy) e altri piu' ipnotici, impliciti e meditativi (un bell'esempio dei quali e' la traccia che da' il titolo all'album). Ascolto ideale in quest'atmosfera ancora profondamente invernale, nella quale il ritorno a Nord mi ha riprecipitato.